El formato completo

En la entrada de hoy vamos a hablar sobre un tema muy simple pero que a veces poca gente conoce, se trata del tema del formato completo. ¿Qué es esto?  La designacion de formato completo se refiere al sensor que poseen algunas cámaras, concretamente desde que la tecnologia digital se unió con la fotografia, se refiere al sensor de las DSLR profesionales.

Desde que comenzó la fotografía digital, el sensor que poseen la inmensa mayoría de las cámaras se trata de un modelo más pequeño que el de 35mm de las cámaras tradicionales (que sería el que actualmente se le denomina "Full Frame") que, al ser más pequeño, parte de la toma supera y no queda plasmada en dicho sensor,aportando así digamos un factor de ampliación (normalmente x1,6) a la distancia focal que se esté utilizando.

Se dice que las cámaras de formato completo son cámaras profesionales, o al menos diseñadas para aportar un rendimiento de tipo profesional porque gracias a que el sensor que poseen es de mayor tamaño, es capaz de albergar más datos e información sobre cada disparo, por lo que la cámara garantiza una mayor calidad y nitidez en cada toma.

Además de por este aspecto, la distancia focal que marcan los objetivos es realmente la que se obtiene en cada toma, ya que el factor de ampliación del que antes hablaba no es técnicamente de ampliación, sino de recorte al ser un sensor más pequeño.

Es cierto que el sensor Full Frame es más grande y garantiza mayor nitidez, pero no es ese el único aspecto que hace que las cámaras con este sensor sean tan caras. Además poseen unas especificaciones técnicas muy avanzadas, como niveles muy altos de sensibilidad ISO, procesadores potentes, altas velocidades de disparo, etc. Pensadas para, junto a las posibilidades que aporta el sensor Full Frame, aportar al fotógrafo todos los medios necesarios para alcanzar ciertos aspectos que con cámaras más básicas no se podrían obtener.

Los modelos que Canon ofrece de cámaras de fotos con sensores Full Frame son:

- Canon EOS 1D X
- Canon EOS 1D C

- Canon EOS 5D mark III
- Canon EOS 5D S
- Canon EOS 5D SR

- Canon EOS 6D

Es cierto que son unas cámaras tremendas, pero desde mi humilde opinión, no lo considero rentable si a lo que uno se dedica con la fotografía es más que nada a divertirse y disfrutar de la fotografía tomándola como hobby no merece la pena gastarse el dinero en estas cámaras, ya que varias de sus especificaciones que ponen a la cámara más al límite en raras ocasiones las utilizaremos.

Esto es sólo mi opinión, Está claro que quien quiera y pueda se puede comprar la cámara que desee siempre y cuando esté dentro de sus posibilidades, pero desde mi punto de vista prefiero hacer una inversión en una cámara tal como la Canon EOS 7D que garantiza muchísima calidad o en una buena lente. Pero claro, quien pueda y quiera, este tipo de cámara es una pasada. En mi caso, la fotografía de naturaleza, obtendría una nitidez y unas distancias focales angulares impresionantes.

Otro tipo de sensores, ya mucho más grande (y caro por su puesto) es el sensor de formato medio. este sensor es el doble de grande que los sensores Full Frame y está pensado para fotografía a lo grande. Más adelante escribiré una entrada hablando sobre esto.

Objetivos descentrables y basculantes (Canon TS-E)

En la entrada de hoy voy a hablar sobre los objetivos descentrables y basculantes de Canon, me refiero a la gama de las lentes con denominación TS-E.

El principal destino de esta gama de objetivos se basa en la fotografía arquitectónica, ya que los dos movimientos que pueden realizar (Tilt y SHift, basculación y descentración que más adelante se pueden ver en la foto) generan efectos que embellecen las tomas. A continuación explico estos dos movimientos:

• El primero de los movimientos, el que se denomina "TILT" consiste en la basculación de la lente, cambiando así el plano del foco. Este proceso tiene como consecuencia la alteración de la profundidad de campo en la foto a través del desenfoque en diferentes zonas de la imagen. 

• Con este movimiento conseguimos la típica fotografía de estilo de maqueta, haciendo que una imagen real parezca un escenario de la misma a escala.

• El segundo es el movimiento "SHIFT", este consiste en el desplazamiento lateral descentrando el objetivo hacia arriba o hacia abajo. Este proceso tiene como consecuencia la corrección de las perspectivas tal y como se puede ver en esta imagen:

• 
• Por este efecto principalmente se utiliza esta gama de objetivos para la fotografía de carácter arquitectónico

A día de hoy, Canon tiene cuatro modelos de objetivos de estas características a la venta:

1. Canon TS-E 17mm f/4 L: El más angular de su gama por su distancia focal es el más idóneo de los cuatro para la fotografía arquitectónica
2. Canon TS-E 24mm f/3,5 L II: Tras su actualización, se comenta que ofrece una calidad de imagen muy superior a su antecesor, calidad que se aprecia incluso en los bordes de las fotografías. Por su distancia focal, se puede comparar el efecto que proporciona el 17mm si ese estuviera montado en una cámara con factor de multiplicación y este objetivo en una de formato completo.
3. Canon TS-E 45mm f/2,8: La distancia focal y el estilo de fotografía que ofrece este objetivo es muy similar a la que ofrece el versátil 50mm que para tantas y diversas funciones se utiliza, con la diferencia de que este ofrece la variación Tilt-Shift.
4. Canon TS-E 90mm f/2.8: Este es el objetivo descentrable con el valor de distancia focal más alto que vende Canon. Fue el primer teleobjetivo en formato 35mm con la posibilidad de ofrecer movimientos de basculación y descentración.

En resumen, se trata de objetivos de una calidad bastante alta (al fin y al cabo son objetivos profesionales de la serie L) y muy interesantes no sólo para la fotografía arquitectónica, sino además para conservar la perspectiva en fotografías de paisajes tales como acantilados, bosques espesos, etc.

En esta imagen se puede apreciar cómo se llevarían a cabo diferentes movimientos que permiten estos objetivos

Espero que esta entrada os sirva para conocer un poco más diferentes aspectos en relación al equipo fotográfico que no son tan conocidos y que ofrecen posibilidades en ocasiones inimaginables y que pasan desapercibidas, pero una vez que se conocen suponen una herramienta verdaderamente útil.

Es cierto que el precio de los objetivos de estas características no es atractivo... por eso en la siguiente entrada escribiré sobre cómo podemos obtener los resultados que ofrecen estos objetivos con nuestros objetivos normales, eso sí, con la ayuda de Photoshop.

Camuflaje. ¿Sí o No?

En esta ocasión escribo sobre el tema del camuflaje para salir a hacer fotos en mitad de la naturaleza.

A mí, personalmente cuando empecé, me parecía algo absurdo, está claro que pensaba que ir vestido con colores llamativos como el rojo por ejemplo no era lo más conveniente, pero que simplemente con ir vestido con colores discretos como marrón, verde cacería, etc. era más que suficiente.

Y sí, quizás lo es, pero lo cierto es que después de experimentarlo, llego a la conclusión de que realmente sí que ayuda el camuflaje a la hora de acercarte a un animal para obtener mejores fotos.

Cuando digo camuflaje, no me refiero al camuflaje militar de este tipo:

Sí, puede servir, pero realmente con esto estamos consiguiendo lo mismo que si vamos vestidos con ropa discreta como antes decía. Al camuflaje que me refiero es uno mucho más realista, a una ropa cuyo diseño refleja diferentes entornos propios del medio natural, tales como bosques, zonas rocosas, entornos de humedales, etc. Un ejemplo es esto:

Aquí podemos ver un camuflaje mucho más realista y que nos ayuda a mimetizarnos con el entorno. Realmente este tipo de camuflaje tiene su mayor mercado en el mundo de la caza, pero desde mi punto de vista, la fotografía de naturaleza guarda relación con la caza en el sentido del sigilo, la discreción y la paciencia, la diferencia es que en vez de disparar con un arma, disparamos con la cámara, y no tengo que matar a ningún animal para conseguir mi trofeo (Para mi la naturaleza es algo importante y respetable, y por ello no me gusta lo relacionado con la caza para conseguir trofeos. Soy "carnívoro" y parto de la idea de que si soy capaz de comer carne debo ser capaz de matar a un animal para comérmelo, pero no para lucir su cabeza en el salón de mi casa... Para eso tengo mi cámara.)

Bueno a lo que íbamos, Este camuflaje, por lo que he ido conociendo, principalmente lo patentan dos empresas: Realtree y Mossy Oak, dos empresas americanas, aunque podemos encontrarlo fácilmente en portales de compraventa online como Ebay o incluso en la web de Decathlon, que han empezado a vender prendas con este tipo de camuflaje en la sección de caza. A mí personalmente cada vez me gusta más este tema y poco a poco voy comprando más artículos, desde una camiseta a unos guantes, pasando por gorras, chaquetas, etc.

Por supuesto, no por ir camuflado quiere decir que vamos a poder acercarnos a cualquier animal y conseguir la toma perfecta. Está claro que por mucho camuflaje que tengamos encima, el sigilo, la discreción y la paciencia, además de dominar nuestro equipo fotográfico, es la base sobre la que debemos partir para conseguir buenas fotografías.

Realmente, la actividad de hacer fotografías de fauna podemos compararla en cierto modo como la cacería. En lugar de disparar al animal con una escopeta, lo hacemos con la cámara, y para ello debemos acercarnos a él lo suficiente sin ser vistos, eso sí, respetando y siendo siempre conscientes de las necesidades de dicho animal.

Espero que entradas como estas os sirvan de inspiración y que si estáis pensando en el tema del camuflaje, que os animéis.

Fotografiar un CIELO LLENO DE ESTRELLAS

En esta entrada os explico cómo podéis fotografiar un cielo nocturno y que éste salga repleto de estrellas. Esto es algo complicado de conseguir pero con paciencia, y si se sigue este tutorial al pie de la letra, se conseguirán unos resultados bastante interesantes.

Antes de nada, vamos a ver qué vamos a necesitar:

1. Cámara reflex. (Con bastante bateria...)
2. Un trípode estable y robusto
3. Un disparador a distancia para minimizar los movimientos a la cámara al disparar, (También podemos utilizar el Live View ya que esta función, al no necesitar el visor ocular, bloquea el espejo y minimiza aun más las vibraciones al disparar.
4. Encontrar una zona sin contaminación lumínica ya que cuanto más oscura esté la escena, más facil resultará captar la luz de las estrellas, y por supuesto, noches SIN LUNA la luna hace esto imposible, los paisajes que veis, en su mayoría, consisten en introducir la luna con Photoshop

(Imagen extraida de www.fotonaturaleza.cl) Tv:30 F:2.8; ISO:1000 DF:11 mm, lente tokina 11-16

A continuación os explico qué debemos hacer para lograr obtener una buena toma:

• En primer lugar vamos a desactivar el AF para que no se vuelva loca la cámara con la falta de luz. Utilizaremos el enfoque manual (MF) enfocando al infinito

• El siguiente paso es establecer una sensibilidad ISO alta. entre 2000 y 4000 aunque debéis ir probando en vuestras cámaras, lo más alto posible sin que el ruido se muestre en exceso.

• Ahora colocamos nuestra cámara en modo manual M para poder controlar la velocidad del disparo junto a la apertura del diafragma que deben configurarse de esta manera

1. Máxima apertura: 2,8 - 3,5 etc.
2. Disparo lento entre 10 y 30 segundos
• Debemos ir probando (velocidad y apertura) hasta obtener una buena toma

• Preparamos el disparador remoto y configuramos la cámara para que dispare en RAW y si el objetivo que vamos a utilizar está equipado con ESTABILIZADOR DE IMAGEN, lo desactivamos

Ya que tenemos la configuración de la cámara preparada, colocamos la cámara en nuestro trípode y nos ponemos manos a la obra, intentando hacer un encuadre bonito además de esquivar las nubes en la toma, ya que éstas saldrían subexpuestas y totalmente negras empobreciendo la imagen si lo que buscamos es obtener un cielo totalmente estrellado, ya cada uno que decida cómo la prefiere, para gustos los colores.

Comenzamos a disparar probando la apertura del diafragma y la velocidad de disparo. Empezamos poniéndolo todo al máximo (ISO, apertura, y 30 segundos de vel.) y evidentemente lo que obtendremos es una imagen sobreexpuesta, pero partiremos de esta para asegurarnos de que es el encuadre que nos gusta y para ir cambiando los parámetros para que progresivamente consigamos una mejor toma

IMPORTANTE!! tener en cuenta que la Tierra no es estática, que aunque no nos demos cuenta, se mueve a una velocidad altísima tal y como comentamos anteriormente en la entrada Fotografiar la luna. Este movimiento puede afectar a nuestra toma (aunque se puede aprovechar para realizar otras técnicas fotográficas tales como la de la Circumpolar a la que ya le dedicaré una entrada).

Lo que sucede a raíz de este movimiento es que las estrellas dejan una pequeñas estelas, para asegurarnos de que esto no nos sucede emplearemos la siguiente fórmula:

600/distancia focal = tiempo máximo de exposición

Es decir, si estamos fotografiando con un 18mm, debemos dividir 600/18, y el resultado (33 en este caso) sera el máximo tiempo del que dispondremos para disparar.

Pero claro, si nuestra cámara no es Full Frame (si no es una Canon 5D, 6D, o 1D) la fórmula cambia, debemos añadirle el factor de multiplicación de focal que incluyen el resto de cámaras (x1,5) La fórmula quedaría así:

600/distancia focal x1,5 = tiempo máximo de exposición

Es decir, multiplicaríamos en este caso 600 por el resultado de la multiplicación de 18x1,5, y el resultado (22 segundos en este caso) es el tiempo del que disponemos como máximo.

Esta fórmula nos ahorrara unos cuantos de disparos de prueba hasta que obtengamos la toma que buscamos. Ahora a probar, espero que esta entrada sirva de ayuda para aprender a hacer fotos de este tipo

Comparto aquí una foto que he realizado basándome en estos pasos. Practicando y con paciencia se puede conseguir cualquier fotografía. Esta es la primera que hago de este tipo, ahora a practicar para mejorarlas ;)

Fotografiar La Luna

¡Hola a todos! En esta entrada vamos a hablar sobre cómo fotografiar a la luna. Parece una fotografía sencilla y que simplemente requiere poseer un objetivo de una distancia focal alta, pero no nos sirve únicamente con eso, necesitamos, como siempre, ajustar los parámetros de nuestra cámara para obtener los mejores resultados en la toma. ¿Cómo lo hacemos? A continuación tenéis la explicación.

Antes de nada, debemos saber a qué estamos fotografiando. La luna no se trata de un motivo estático ni mucho menos, La luna se encuentra a miles de kilómetros de distancia de nosotros, concretamente a 384.400 km, y gira alrededor de la Tierra a una velocidad aproximada de 3.700 Km/h. Por lo que teniendo en cuenta la distancia y la velocidad que caracteriza a la luna además de la falta de luz por motivo de la noche, esta técnica de fotografía puede resultar bastante complicada.

Lo principal que necesitamos antes de nada es SUJECCIÓN Y ESTABILIDAD, por lo que además de la configuración de la cámara debemos disponer de:

- Cámara en modo manual (M)
- Objetivo de distancia focal alta (a partir de 300mm)

- Trípode, cuanto más pesado y robusto mejor

- Disparador a distancia

Una vez que conocemos lo que necesitamos para realizar la fotografía, empezamos a explicar cómo lograr una buena toma paso a paso:

1. Lo primero, una vez que sabemos la fase en la que la luna se encuentra y tenemos preparada nuestra salida, debemos encontrar una ZONA OSCURA en la que nos acomodaremos para realizar la fotografía. Tenemos que buscar la máxima oscuridad posible, por lo que cuanto más alejados estemos de la ciudad, mejor.

2. Montamos nuestro equipo. Buscando una ZONA ESTABLE para colocar el trípode con la cámara montada teniendo preparado el Disparador a distancia o disparo en modo retardo si no tenemos disparador.

3. Fundamental, configurar la cámara en modo MEDICIÓN PUNTUAL, ya que si dejamos el modo de medición evaluativo, la cámara tendrá en cuenta también la oscuridad del fondo para intentar que salga bien expuesto también.

4. Preparamos nuestra cámara en la máxima distancia focal posible y situamos el diafragma del objetivo a una APERTURA MEDIA, en el llamado "Punto Dulce", aproximadamente un f/9 dependiendo de la apertura máxima y mínima de cada objetivo. Con esto conseguimos mayor profundidad de campo además de una mayor nitidez en la imagen siendo esta la apertura que mayor nitidez garantiza en cada toma. No debemos cerrar el diafragma demasiado ya que estaríamos corriendo el riesgo de que entrara muy poca luz en el objetivo.

5. Para alcanzar una mayor estabilidad y eliminar el menor movimiento de la cámara, podemos bloquear el espejo del obturador. Si no sabéis como hacerlo, podéis activar el "Live View" (pantalla de la cámara en lugar del visor)

6. Sensibilidad ISO al Mínimo. Vamos a obtener una foto en la que encontraremos un fondo de oscuridad total y homogénea, por lo que podemos encontrarnos con la presencia de ruido, para corregir esto, bajamos la ISO.

7. Velocidad del Obturador: Ni muy rápida ni muy lenta, es decir, según en cada situación, con los anteriores parámetros ya establecidos, debemos ir probando diferentes velocidades de disparo, buscando poco a poco la mejor exposición de la luz posible. Aproximadamente podemos empezar a una velocidad de 1/200 seg. subiéndola o bajándola ya según nuestro criterio.

8. Revisad bien y dedicadle tiempo al post-procesado. En primer lugar, tras cada foto, visualizadla, y ampliad el zoom para comprobar que realmente ha quedado nítida, ya que la pantalla de la cámara al ser tan pequeña, nos puede engañar y llevarnos un chasco al pasar la foto al ordenador. Una vez que la tienes ya en el ordenador, tómate tu tiempo para editarla.

Si habeis seguido todos los pasos, os debe haber quedado una fotografía similar a esta:

Aquí la tenemos, una luna sin que salga demasiado expuesta, ni movida. Esta fotografía concretamente es un recorte de una que hice con un 300mm. si disponéis de una focal mayor, los resultados serán aun mejores.

Además es interesante poner a prueba la creatividad intentando utilizar la luna como complemento a alguna foto de paisaje nocturno. Ya sabéis cómo se hace, ahora a probar!

¿Light Painting? ¿Efecto seda? Fotografías de EXPOSICIÓN LENTA

Hola a todos. La semana pasada salí a la calle probando y aprendiendo nuevas técnicas de fotografía, y por eso en esta entrada vamos a hablar sobre el "Light Painting", es decir, pintar con la luz en nuestras fotos. ¿Cómo? gracias a la exposición lenta.

El secreto está en dejar abierto el obturador, y con algún punto de luz realizar el dibujo que deseemos en el aire mientras dicho obturador sigue abierto. Por supuesto es ESENCIAL un trípode que sujete y le aporte firmeza e inmovilidad a la cámara para que la foto no salga movida. Se debe buscar, normalmente, una zona oscura para intensificar el efecto de los dibujos de luz, aunque más adelante en esta entrada se explicará más a fondo cómo tenemos que configurar la cámara para conseguir una buena toma. 

La configuración de la cámara es muy importante ya que no sólo se puede utilizar esta técnica en oscuridad total, y claro, si en la foto aparecen otras zonas iluminadas además del dibujo de luces, podemos correr el riesgo de que la foto salga "quemada" si no configuramos bien los parámetros.

Para ello, salí a la calle y me puse manos a la obra buscando, probando y realizando fotografías, tales como estas:

En estas fotografías es fundamental configurar bien la cámara para obtener una buena toma, para ello es fundamental disparar en modo manual (M) o en su lugar, en modo Prioridad de Apertura (Av). Se debe tener en cuenta que para disparar lento se deben realizar una serie de ajustes previos como:

- BAJAR EL ISO (Que además nos aportará menos ruido) 

- CERRAR EL DIAFRAGMA (Cuanto más cerrado esté entrará menos luz al sensor, por lo que más     despacio podremos disparar) 

- Dejar la COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN a 0.

- TRÍPODE FUNDAMENTAL

- Usar DISPARADOR A DISTANCIA

En resumen, el Light Painting se trata de una técnica fotográfica con la que, practicando y sacándole partido, podemos conseguir tomas realmente originales y atractivas.

Además, la exposición lenta no nos sirve sólo para hacer Light Painting, podemos utilizarlo en nuestras fotografías para aportarle algún efecto, como por ejemplo en la siguientes fotos:

En estas dos fotografías por ejemplo, podemos ver cómo al hacer una exposición lenta, adquirimos el "efecto seda" del agua embelleciendo la toma.

Espero que esta entrada os sirva de motivación para probar nuevas técnicas de fotografía y adquirir nuevas tomas más originales a vuestro repertorio.

Dar color a una imagen en blanco y negro

En esta entrada vamos a aprender a darle color a cualquier imagen que tengamos en blanco y negro, sepia, etc. Yo uso esta herramienta principalmente para eso, pero se puede utilizar para otras cosas como por ejemplo cambiar el color a algún objeto que aparezca en una imagen concreta. 

Realmente lo que conseguimos es eso, cambiar el color, no devolver el color original. A una fotografía antigua  que tengamos en blanco y negro por ejemplo y queramos dejarla a color, no podemos pretender que el color del vestido de la posible protagonista sea el color original, sino que le aplicaremos el color que nosotros creamos más conveniente. 

A continuación explico cómo se hace con una foto que he convertido previamente a blanco y negro:

Lo primero que tenemos que hacer es abrir la imagen con la que vamos a trabajar con el programa Adobe Photoshop CS, en mi caso el CS6. Ya con la foto abierta comenzamos a trabajar.

Vamos a trabajar a base de capas, concretamente con Capas de ajuste para el tono y la saturación (Capa -> Nueva capa de ajuste -> Tono/saturación) Nos aparecerá una ventana para que le asignemos el nombre que queramos a esa capa y al pulsar en Aceptar nos aparecerá a la derecha el menú con el que vamos a trabajar:

Debemos tener en cuenta que el TIC de Colorear esté marcado (y no como en el caso de este pantallazo). Al estarlo veremos cómo automáticamente cambia todo y nos va a permitir trabajar cómodamente.


Antes de continuar debemos saber que para cada color que aplicaremos, debemos añadir una capa de ajuste nueva. Cada capa es para un color. En este caso vamos a empezar con el cielo, por lo que buscaremos un tono azulado

Cuando hemos seleccionado el color que queremos para el cielo, lo que hacemos es recortar esta capa de tal manera que sólo actúe sobre esta zona. ¿Cómo lo hacemos? De la siguiente manera:
Lo primero que hacemos es pinchar en Imagen -> Ajustes -> Invertir de esta forma todo se volverá a poner en blanco y negro, pero ya con el tono de azul preparado para ser aplicado, que lo aplicaremos con la herramienta "Pincel" teniendo en cuenta que la selección de colores de este (Zona de abajo a la izq. de la pantalla) sea Blanco sobre negro. y comenzamos a pasar el pincel por la zona que queremos dejar azul.

(Además si pinchamos el el menú de Capas de la zona derecha de la pantalla, nos aparecerán todas las capas de ajuste que vamos colocando, y si pinchamos dos veces sobre el icono de Tono y saturación de la misma, nos vuelve a aparecer el menú de selección de color para retocarlo si una vez que la hemos aplicado con el pincel vemos que el color no es el mejor.)

Continuamos pintando poco a poco el cielo (aumentando el zoom y con pincel pequeño en las zonas complicadas para que quede mejor y más realista). Una vez hecho repetimos el proceso anteriormente explicado creando una nueva capa de ajuste con un color diferente. Yo esta vez voy a utilizar el tono rojo para la camisa:

Esto lo repetiremos una y otra vez, añadiendo capas y capas hasta que le devolvamos el color en su totalidad a la foto y estemos contentos con el resultado.

Poco a poco va quedando cada vez mejor (En este caso lo he hecho corriendo y sin tener cuidado con el mero fin de subir las imágenes para explicar cómo se hace, pero si os tomáis vuestro tiempo, obtendréis grandes resultados.

Una anotación más antes de concluir es para recordar que cuando la foto esté terminada, antes de guardarla, para poder hacerlo en formato JPG, se depe pinchar sobre la capa Fondo con el boton derecho del ratón (en el panel Capas de la zona derecha de la pantalla) y pinchamos sobre "Acoplar imagen" para que todas las capas se unan en una sola.

Espero que esta entrada os resulte útil y que os ayude a mejorar con Photoshop

Un saludo
Diego López

Rellenar un espacio añadido a una foto

       Muchas veces cuando hacemos una foto, nos damos cuenta a la hora de trabajar con ella en Photoshop que la imagen quedaría mejor si el motivo principal no estuviera tan cercano al borde de la imagen, es decir, que existiera mayor espacio alrededor del motivo.

       Para explicar mejor lo que quiero decir, os voy a explicar el proceso con una serie de capturas de pantalla en las que podréis ver lo que os comento y el resultado:

       Aquí podemos ver que la oreja del zorro está muy cercana al borde de la imagen, y llegamos a la conclusión de que el encuadre quedaría mejor si ampliamos este espacio separando el motivo inicial del borde de la imagen. Dicho esto, empezamos a trabajar.

       Lo primero que hacemos es utilizar la herramienta "Recortar" y ampliamos la imagen al tamaño deseado. Siempre teniendo en cuenta que la selección de colores que podemos encontrar abajo y a la izquierda de la pantalla esté establecida como negro sobre blanco. (Realmente no siempre es la mejor opción el negro sobre el blanco, lo importante es que el color secundario resalte sobre el color del borde de la imagen, y en muchísimas ocasiones el blanco es la mejor opción) Yo en el caso de la foto del zorro la he recortado de esta manera:

       Con la foto ya encuadrada a nuestro gusto pasamos a la siguiente fase: seleccionamos con la herramienta "Selección rápida seleccionamos la parte blanca que acabamos de añadir y a continuación, tal y como podemos ver en la siguiente imagen, accedemos a Selección -> Modificar -> Expandir y en la ventana que aparecerá seleccionamos una expansión de unos cuatro píxeles. (si aumentamos el zoom en la imagen una vez hecho esto nos daremos cuenta que la selección que hemos hecho abarca un poco más de la zona blanca, teniendo así información suficiente a la hora de rellenar nuestro recorte.)

        Una vez hecho esto, nos dirigimos a el marcador Edición ->Rellenar, y aparecerá la siguiente ventana:

       Aquí lo que tenemos que tener en cuenta antes de pulsar sobre Aceptar es que el relleno que se va a realizar sea "Según el contenido" y la fusión sea de modo normal y a un 100% de opacidad.

Y aquí tenemos la foto terminada.

        Realmente no es un proceso muy difícil, alguna vez puede ocurrir que al rellenar se copie en el espacio nuevo un trozo de la oreja del zorro por ejemplo. Si ocurre eso, simplemente utilizamos la herramienta "Clonar" (La novena en mi barra lateral de herramientas y sobre la que subiré un artículo) y poco a poco vamos eliminando de manera manual ese error.

Espero que esta entrada os sirva de utilidad y que os ayude a mejorar cada vez un poquito más en vuestro uso de Photoshop

Un saludo a todos

Diego López.

¿Dónde ver mis fotos?

         Algunas de las fotos que realizo normalmente las podeis ver en mi perfil que encontrareis en la dirección www.panoramio.com

          En esta pagina web podéis encontrar además de mis fotos, muchísimas fotos de todas las partes del mundo, por lo que podrán aportaros muchas ideas para vuestras fotos o para planear salidas y excursiones por ejemplo.

           Muchos fotógrafos, veo que suben sus capturas a otras páginas como por ejemplo 500px.com, dicen que si una es mejor, que si la otra es mas completa, etc. A mí eso personalmente me da igual, yo lo subo aquí porque me resulta más cómodo y útil aquí, por el tema de "mapear las fotos" y tenerlas localizadas y disponibles desde cualquier aparato con conexión a internet.

         Yo no busco una página para promocionar nada, símplemente quiero un espacio en la red donde tener guardadas las fotos que me gusten más de las que he hecho, y este espacio es el que más se adapta a lo que necesito.

Diego_lopalb Panoramio
Un saludo a todos.

¿RAW ó JPG?

        Muchísimas veces, en miles de páginas de Internet, encontramos foros y artículos sobre este tema. Mucha gente discute, e incluso se enfada con otras al discutir sobre esto, e incluso a veces parece que "eres de RAW" o "eres de JPG" como si fueras del Real Madrid o del F.C. Barcelona. Este tema la verdad es que me da la sensación que se le está dando una importancia que, desde mi punto de vista sobra.

        En la entrada de hoy, voy a hablar sobre esto, sobre mi opinión acerca de este tema y sobre lo que yo hago personalmente.

       En primer lugar vamos a analizar qué significa cada cosa. En los ajustes de los parámetros de la cámara, podemos ver que el título que se le aporta a este apartado es "Calidad" de cada toma. Con el termino Calidad, la cámara no se refiere a la belleza del color, a las iluminaciones, al contraste, etc. A lo que realmente se refiere es a la CANTIDAD DE INFORMACIÓN que puede abarcar cada archivo, cada fotografía. Encontramos cuatro: S, M, L, y RAW. 

Los tres primeros (S, M, L) al realizar la fotografía, la cámara guarda la información en un archivo .JPG, en cambio, el modo RAW, no guarda las fotografías en un archivo que se llame ".raw" ya que esto no existe.

    El término RAW hace referencia a una foto sin procesar, podríamos traducirlo como "crudo" y dependiendo de la marca de la cámara, se guardará en un formato determinado, en el caso de la mía, se guarda en formato ".CR2" En este formato no se configura absolutamente nada, mientra que en los tres restantes se configuran una serie de parámetros que previamente nosotros hemos establecido a nuestro gusto en los ajustes de nuestra cámara. Pero la autentica diferencia entre el modo RAW y los tres restantes es la cantidad de información que "cabe" dentro de cada archivo. En el caso del modo L (el mayor de los jpg), caben aproximadamente, y dependiendo de la cámara, unos 10-12 MB, en cambio, en el modo RAW pueden caber perfectamente 30-40 MB o más. Esto es así porque se guarda la información de toda configuración posible. Los tres modos restantes, al procesar la foto sólo se quedan por ejemplo con un tipo de contraste o con un tipo de saturación (insisto, el que nosotros hemos establecido previamente) borrando todo lo no seleccionado o no necesario, el modo RAW, al dar cabida a cualquier configuración posterior en el procesado manual, ocupa mucho más al almacenar muchísima más información, con la idea de que este archivo no sea la foto, sino que sea algo más bien como el negativo, el cual trabajaremos en un programa como Lightroom y que una vez que haya quedado la fotografía como nos guste, la exportamos a otro archivo (.JPG .PNG .TIFF...) y borrando, o almacenando si quisieramos, el archivo RAW.

        Con este archivo después, a la hora del post-procesado, tenemos muchísimas más posibilidades de edición, ya que al tener toda la información del contraste por ejemplo, tenemos un campo mucho más amplio para editar la foto en este aspecto, de la misma manera con cualquier otro parámetro a editar. En una fotografía en JPG el campo es algo más corto, dificultando la radicalidad del cambio de la saturación por ejemplo (en un JPG al saturar al máximo, los colores saldrían fluorescentes ya que se ha acotado previamente la gama de color de la imagen, en un RAW esto no pasaría porque tendríamos toda la "paleta" de colores a nuestra disposición.

         Pero ahora viene lo IMPORTANTE, ¿Qué es mejor? Yo no creo que el RAW sea mejor que el JPG, ni viceversa. Creo que cada formato está pensado para algo, y con una finalidad diferente, y que depende de nuestros gustos.

En mi caso personal, yo utilizo tanto el modo L como el modo RAW. Dependiendo del tipo de fotografía que vaya a hacer, me decanto por un formato u otro. Suelo utilizar el formato RAW cuando voy a hacer alguna fotografía de paisajes, o algún retrato por ejemplo, ya que estos motivos los suelo postprocesar más a fondo con Lightroom y darles un toque más personalizado. En otros casos, suelo utilizar el modo L, creando directamente un formato JPG ya que no necesitaré un procesado especialmente fuerte, como por ejemplo, fotografías de animales con teleobjetivo.

       En el ejemplo de esta imagen que vemos arriba, podemos ver una fotografía que he realizado guardándola directamente en JPG. Lo he hecho así símplemente por el motivo que comentaba, quiero que el resultado de esta fotografía sea natural, lo más parecido posible a como es el leopardo en la realidad. Busco los colores más certeros y la máxima nitidez posible dentro de lo que mi equipo puede aportarme. Por eso no necesito un post-procesado demasiado exhaustivo, por lo que una fotografía así de este tipo la guardo directamente en formato JPG y no tengo ningún problema con los pocos retoques que le haga con el programa Photoshop.

 

        En el caso de esta imagen, esta vez sí que configuré la cámara para que al disparar, guardara la imagen en formato RAW. Esta fotografía la tomé a las diez y media de la noche aproximadamente, por lo que si quería que toda la imagen saliera detallada iba a necesitar muchísima más información que en la toma anterior. Si la hubiera procesado directamente con el modo L (jpg) la hierba de los laterales por ejemplo, hubiera salido totalmente negra ya que el contraste y la luminosidad se habría aplicado por partes iguales toda la imagen, y para que las luces del fondo no salieran sobreexpuestas, se subexpondrían loas zonas oscuras de la hierba. Para evitar esto, disparo en RAW para tener información del color, tamto de la hierba como del resto de la imagen, de todas las configuraciones posibles (Sobreexpuesta, subexpuesta,saturada, etc.)

 

        Básicamente, para mí, la diferencia es esa, la cantidad de información que cabe en cada toma, en cada archivo. No me considero mejor fotógrafo por disparar o no en RAW, lo importante desde mi punto de vista es saber captar bien la imagen, saber componerla de forma que quedelo mejor posible, la diferencia entre RAW y JPG, símplemente sirve a la hora delpostprocesado, dependiendo de lo quequeramos con cada una.

        Me parece una tontería debatir sobre dispararen RAW o en JPG, símplemente son dos configuraciones de la cámara, ¿por qué debatimos sobre eso y no sobre sobreexponer o subexponer por ejemplo? Lo importante realmente es el resultado de la foto, sin más.

Sobre todo teniendo en cuenta lo que la fotografía supone para mí, un hobby, si me tuviera que dedicarprofesionalmente a esto puede que siempre disparara en raw ya que mis ingresos dependerían de la calidad de mi fotografía y por "curarme en salud" probablemente lo haría así, pero realmente, a día de hoy, creo que realmente no hace falta disparar siempre en RAW, sino que lo utilicemos cuando creamos que tendremos que retocar bastante una foto, como por ejemplo un retrato oun paisaje.

       Espero de verdad que esta reflexión os pueda haber resultado interesante, cuando yo empecé, hace unos tres años, leia mucho sobre este tema, y leyendo lo que comentabala gente sobre el RAW, me obsesioné en disparar siempre así, y algunas veces llegaba a frustrarme al quedarme muchas veces sin espacio en la tarjeta y al tener que dedicarle demasiado tiempo al post-procesado, que me encanta, pero en las que yo quiero y veo necesario hacerlo, no en todas, e incluso a veces que quedaba un resultad algo irreal para mi gusto ya que al poderretocarlo todo, acabamos cayendo en el error de excedernos en dicho retoque.

Un saludo a todos.
Diego López.

Photoshop CS6 - Dejar la piel perfecta

     Normalmente no hago fotografía de tipo de retratos, lo que más acostumbro hacer es un tipo de fotografía más bien relacionada con la naturaleza, pero aunque la naturaleza sea lo que más dedica mi tiempo a la fotografía, me gusta realmente usar la cámara con cualquier motivo.

      En esta ocasión, con esta entrada enseño un truco para mejorar el aspecto de la piel de un retrato, digamos "aplicarle un maquillaje" y eliminar los diferentes defectos e impurezas que pueda presentar. ¿Cómo lo haremos?, a través de un filtro que encontramos en el programa de Photoshop CS6, concretamente el filtro polvo y rascaduras. A continuación explico cómo vamos a conseguir este efecto. Para ello utilizaré una foto cualquiera de un retrato de un personaje que he encontrado por Internet, en la que podemos ver una piel con muchas marcas que vienen muy bien para explicar la técnica:

      Lo PRIMERO que tenemos que hacer es duplicar la capa de la imagen (Capa > Duplicar capa) y seguidamente, sobre la capa duplicada, aplicamos el filtro de polvo y rascaduras (Filtro > Ruido > Polvo y rascaduras) Cuando seleccionamos el filtro, entramos en el menú que se muestra a continuación, en el que podemos ajustar dos parámetros. El parámetro Umbral, lo dejamos en el nivel cinco, y el parámetro Radio lo situaremos, en este caso, en el nivel tres. Dependiendo de la foto, aplicaremos un nivel mayor o menor en este parámetro, teniendo en cuenta que a mayor nivel, mayor será el efecto de matificación de la piel. Personalmente utilizo un nivel de uno a tres, cuatro como máximo.

      Una vez que hemos aplicado el filtro tal y como lo queremos, en la capa duplicada colocamos una Máscara de capa y a continuación viene la parte importante.

       El filtro se aplica a toda la fotografía en general, por lo que a continuación, lo que debemos hacer es, con la máscara de capa que hemos colocado, eliminar el efecto del filtro de las zonas de la imagen donde no lo queremos aplicar, es decir, de toda parte de la imagen que no sea la piel. Lo eliminamos con la herramienta pincel, siempre teniendo en cuenta que los colores sean NEGRO sobre BLANCO.  

       Una vez hemos colocado los colores de esta forma, pincelamos sobre toda zona que no sea la piel, como los ojos, boca, ropa, fondo, pelo, etc. Tardamos lo que tengamos que tardar, con mucho cuidado y poco a poco, ya que dejarnos una parte sin eliminar, o eliminar más de la cuenta "tocando" parte de la piel, estropearía totalmente la foto. 

        Una vez que hemos terminado y que estamos contentos de cómo ha quedado la fotografía, hacemos click con el botón derecho en el menú de Capas sobre la capa original y seleccionamos Acoplar imagen (Las capas se unen todas en una como en el comienzo y ya podemos guardar la imagen sin ningún problema en .jpg, si no hiciéramos esto, sólo podríamos guardarlo en .psd (archivo photoshop)

       A continuación enseño cómo queda la fotografía que enseñé como ejemplo.

         Lo más importante es que el efecto no quede demasiado irreal, que sea efectivo pero no sumamente llamativo. De ahí la importancia de utilizar un nivel muy bajo en el radio a la hora de establecer el filtro Polvo y rascaduras. Y esto es todo, espero que esta herramienta os sirva de utilidad y que os haya resultado sencillo e interesante.

Un saludo a todos.

Diego López

Photoshop CS6 Matiz cálido a la fotografía

     Muchas veces, en mi propia experiencia, he notado que las fotografías que he hecho han quedado un poco frías. Con frías quiero decir que predomina en ellas un tono azulado que le resta belleza a la imagen. Esto muchas veces se puede solucionar ajustando el balance de blancos o utilizando algún que otro filtro. En esta entrada enseño cómo podemos solucionar este problema con el programa Photoshop.

Estos problemas suelen surgir con fotografías en sombra y en zonas de alta montaña

     La herramienta que vamos a utilizar para llevar a cabo esto se llama EQUILIBRIO DE COLOR, en los ajustes de Imagen (Imagen > Ajustes > Equilibrio de color)

      Con esta herramienta accedemos a un panel en el que podemos ajustar los parámetros de los colores. Lo que tenemos que buscar con estos parámetros, es darle mayor prioridad a los tonos rojos y a los tonos amarillos para dar un efecto más cálido a la foto, tanto en los medios tonos, como en las sombras, como en las iluminaciones, conservando siempre la luminosidad marcándola con un tic, para que el tono no se centre únicamente en los colores que vamos a priorizar y que la imagen quede mucho más real

      Los ajustes que normalmente uso yo para dar un efecto más cálido a la imagen consisten en sumar cuatro puntos (+4) al menú Cian-Rojo, y restar cuatro puntos al menú Amarillo-Azul, como he dicho, tanto en los medios tonos, como sombras, como iluminaciones. Esto es algo digamos "genérico", claro está que dependiendo de cada fotografía, le daremos una prioridad mayor o menor de cuatro a cada valor, ya dependiendo de nuestro gusto.

      En esta imagen podemos ver el resultado a una fotografía hecha en sombra con un tono algo más frío de lo normal, El toque cálido, no demasiado exagerado aunque sí que un poco para mi gusto, le da algo diferente a la imagen

      Y esto es todo, así queda la fotografía, es una herramienta muy simple que en muchas fotografías puede cambiar totalmente su aspecto. Si a algún lector le ha servido de ayuda, me alegro muchísimo.

Un saludo a todos y hasta la próxima.
Diego López

Canon 500D

        La Canon EOS 500D es una cámara réflex (DSLR) de la gama menos sofisticada de las cámaras de canon, a día de hoy ya obsoleta (presentada en 2009) sustituida por sus sucesoras Canon 600D y Canon 700D. 

        Con esta cámara empecé mi hobby hace ya unos tres años aproximadamente, por eso creo que esta es la mejor entrada que puedo hacer para inaugurar el blog.

        La Canon EOS 500D es una cámara reflex, aunque no de formato completo. Tiene una montura EF-S y la óptica aplica un factor de recorte de 1,6x, por lo que un objetivo montado en ella por ejemplo de 300mm, equivaldría a uno de unos 460-480mm con el factor de recorte aplicado.

      La cámara monta un sensor CMOS de 15 MP con un espacio de color sRGB, a Adobe RGB. La gestión de color es bastante buena, aunque claro está, las cámaras actuales la superan.

       Es una cámara que no está construida específicamente para la fotografía profesional, por lo que además de los modos manuales, incluye una serie de modos automáticos con una configuración específica para diferentes temas fotográficos, como retratos, paisajes, fotografía en movimiento, etc. Estos temas realmente no los utilizo o no acostumbro a utilizarlos, porque lo que realmente me gusta es configurar la cámara para cada fotografía, no simplemente apretar el botón de disparo. Siempre utilizo el modo manual (M) o el modo de control en prioridad de apertura del diafragma (AV)

     La cámara en general, desde mi punto de vista, da un resultado bastante bueno, y realmente para la fotografía que yo hago, me puedo defender realmente bien con esta, aunque por supuesto en un futuro cuando llegue el momento no descarto, según mis posibilidades, en comprarme otra, de esta serie (500, 600, 700D...) o superior.

En cuanto a las especificaciones técnicas de la cámara "principales", destaco las siguientes:

- Velocidad de disparo: de 1/4000" como máxima, a 30" como mínima
- Sensibilidad ISO: de 100 ISO a 12800 ISO. Obviamente no utilizaremos casi nunca un nivel de ISO 12800, pero si la cámara es capaz de llegar a este nivel, da un gran resultado a ISO 400 o 800 sin mostrar  prácticamente ruido.
- Grabación de vídeo en Full HD (1080p)
- Almacenamiento: Tarjetas SD
- Incluye flash en el pentaprisma (Como todas las DSLR, excepto las 5D, 6D, y 1D)
- Batería LP-E5
- No es realmente pesada, 480 grs.

    En cuanto a mi opinión, me siento realmente contento con esta cámara. Da una calidad de imagen realmente buena, tiene muchas prestaciones interesantes, y por supuesto en relación calidad/precio comparada con otras cámaras está realmente bien.