Cómo fotografiar fauna en la naturaleza

Hacer fotos a animales en su entorno natural no siempre resulta tan fácil como podemos pensar. Dependiendo de qué animal vayamos a buscar para tomar fotos debemos tener previamente en cuenta diferentes medidas, tanto de seguridad (para nosotros y para el protagonista por supuesto) como de orientación y estudio del lugar. Por eso vamos a ver ahora diferentes aspectos a tener en cuenta en cuanto a este tema:

OBSERVACIÓN Y PLANIFICACIÓN

En primer lugar es importante que tengamos un conocimiento previo del animal al que se va a fotografiar. Evidentemente, como en todo, no vamos a llegar y conseguir nuestro objetivo a la primera así a bote pronto, que puede ocurrir, pero es bastante improbable.

En primer lugar, necesitamos conocer los hábitats en los que nos resultará más sencillo encontrar a cada espécimen, y qué hábitos llevan diariamente a cabo para saber dónde, cómo y cuando encontrarlos.
Una vez conocemos esto, estudiamos nuestras posibles localizaciones a las que podemos acceder para conseguir la foto, y así además poder planificar una posible escena o encuadre además de poder conocer en qué momentos tendremos las mejores situaciones de luz, etc.

Una vez sabemos ya a qué animal (evidentemente) vamos a fotografiar, dónde y cuándo vamos a hacerlo, planificamos nuestra salida eligiendo qué equipo nos vamos a llevar, y además del equipo, cómo vamos a ir vestidos. Aunque parezca una tontería, el tema del camuflaje es algo importante a la hora de hacer reportajes de fauna en naturaleza. Ya que al igual que en la cacería por ejemplo, tenemos que pasar desapercibidos en el medio en el que nos encontramos. Ya escribí anteriormente un artículo en el que hablaba sobre esto.

Bien. ya hemos seleccionado al protagonista, hemos localizado una zona en la que podemos fotografiarlo, ahora toca PLANIFICAR LA SESIÓN.
Vamos a organizarnos.

• 📷Seleccionar nuestro equipo: Estaremos en mitad del campo, probablemente tendremos que darnos en la mayoría de casos un buen paseo hasta llegar a donde queremos hacer nuestra foto. Por eso tenemos que tener en cuenta que el equipo PESA y tendremos que cargar con él todo el camino. Por eso más vale limitarnos a llevar con nosotros únicamente el material que previamente seleccionemos. (Aunque yo soy de esos que se lo lleva todo "por si acaso" y alguna vez ha venido bien, pero la verdad, muy pocas...)

• ⌚Mirar horas, localización, el tiempo...: Antes de ir, no está de más que tengamos todo esto en cuenta. Más vale que nos aseguremos de que el tiempo no nos da ninguna sorpresa y que podremos llegar bien a nuestro destino. Por eso es importante, al igual que cuando nos vamos de viaje por ejemplo, echar un vistazo a todo esto. Además existen muchas aplicaciones que nos pueden ayudar bastante, como por ejemplo:
• Wikiloc, para encontrar diferentes RUTAS subidas por usuarios que nos pondrán las cosas un poco más fáciles.
• PhotoPills, una aplicación para móvil con la que podremos ver por ejemplo en tiempo real gracias a la REALIDAD AUMENTADA en qué zona se encontrará el sol en cada momento del día. Esto es muy útil para hacer por ejemplo atardeceres o composiciones de la vía láctea.

• 🍗Llevar "provisiones": Este es otro tema importante que tenemos que tener en cuenta. Vamos a pasar allí, en la mayoría de los casos, horas. Por eso no sólo debemos llevar en la mochila la cámara, sino que no está de más que llevemos algo de comer y beber además de algo de abrigo por ejemplo por si pensamos pasar la noche fotografiando estrellas, o incluso algún que otro material de supervivencia como un pedernal, unas cuerdas, una navaja, algodones, etc.

• 👕Ropa cómoda: Es importante que nos sintamos y podamos movernos con comodidad a lo largo de la sesión para que no se nos haga tan pesada. Además, nunca está de más que nos llevemos una pequeña sillita plegable por ejemplo. Yo en mi caso llevo una como esta que al plegarse no ocupa más tamaño que un trípode pequeño.

• 👬Compañía, o no..: Esto tampoco es algo realmente determinante, pero no está de más. Ya no simplemente por el tema de protección, etc. sino por ampliar ideas, dar propuestas y demás. A mí personalmente me gusta en la mayoría de los casos ir acompañado, además de que evidentemente estás más distraído, dos cabezas piensan más que una.
• Además de compañía, no esta de más algo de distracción. Por ejemplo si vamos a fotografiar la vía láctea en algún momento concreto de la noche, no está de más que podamos matar el tiempo mientras esperamos, ya sea con un libro, una tablet, retocando fotos, etc, etc...

En resumen, al fin y al cabo lo importante es eso, que no vayamos a hacer fotos a lo loco, sino que tengamos cierta idea de lo que queremos hacer. Se sigan estos pasos o no, de lo que se debe partir es de eso, de tener cierta seguridad, comodidad, y organización.

En la sesión

Una vez estemos ya manos a la obra, por supuesto debemos partir del respeto al entorno en el que nos encontramos y evitar dañarlo lo máximo posible además de evitar molestar a los animales de su alrededor o, en su caso, las personas por ejemplo que allí vivan. Nuestro disfrute no tiene que suponer en ningun caso un mal para nadie.

Espero que si alguien lee esto que le pueda servir de utilidad, saludos.

Fotografiar la Vía Láctea

Esta primavera tengo la intención de fotografiar un cielo lleno de estrellas en el que salga la VÍA LÁCTEA. Esto es más difícil de lo que parece. Si ya puede resultar algo complejo fotografiar un cielo estrellado, (que por cierto, podéis ver una entrada que subí hace tiempo sobre esto pinchando aquí ) la cosa se complica un poco más al tener que seguir una serie de pasos sumados a los que se necesitan para hacer nuestro cielo estrellado para obtener los resultados que queremos.

Lo que quiero conseguir con esto es obtener un resultado similar a este:

Imagen extraída de www.noctofoto.es

Así que aquí voy a poner todo lo que se necesita, tanto como de configuración, como de equipo, condiciones meteorológicas, etc. para poder conseguir nuestro objetivo.

Vamos a partir de cuatro puntos principales, que son:

• 1. ¿Cuándo es el mejor momento para hacer la foto?

Esto realmente depende de la zona de la Tierra en la que nos encontremos respecto al Ecuador. En mi caso, España.

Estamos en el hemisferio norte, por lo que para encontrar el Centro Galáctico (Y debido a esto conseguir que resulte mas fácil obtener una imagen en la que se pueda ver uno de los cordones de la Vía Láctea) debemos saber en qué época del año podemos toparnos con esto en el cielo. Aquí la mejor época es en primavera, o incluso verano. 

• 2. Previsión del tiempo

Lógicamente, intentaremos buscar una noche que nos ofrezca un cielo totalmente despejado. Pero este no es el único aspecto que debemos tener en cuenta.

Cuanta menos contaminación lumínica tengamos, mejor. Por eso debemos buscar una noche par hacer la foto en la que haya luna nueva, gracias a esto tendremos un cielo que nos brinde mayor oscuridad y así poder obtener una imagen más limpia del mismo, pudiendo de esta manera almacenar una mayor cantidad de estrellas en la foto.

• 3. Zona

Como se ha dicho en el punto anterior, la oscuridad es muy importante. Tenemos que evitar, en la medida de lo posible, al máximo la contaminación lumínica y así obtener un cielo mucho más oscuro y plagado de estrellas. Para ello tendremos que alejarnos lo máximo que podamos de las ciudades ya que son inmensos focos de luz que pueden chafarnos la escena, podemos ir a puntos altos en zonas naturales que nos garanticen un ambiente mucho más limpio.

En mi caso, para la prueba que quiero hacer (En la zona de la provincia de Cádiz) quiero ir, o bien a la Sauceda, o al Tajo del Águila.

Una vez estemos en la zona en la que vamos a hacer la foto, debemos situarnos mirando al sur, sureste si es primavera, sur en verano, y suroeste en otoño.

• 4. El equipo

Para esta foto es recomendable utilizar una cámara réflex (en mi caso una Canon 500D) con un objetivo gran angular montado, preferiblemente que sea bastante luminoso (en mi caso un Tamron 17-50 f/2,8)

Sería conveniente que la cámara tuviera unos buenos niveles de soporte de ISO alto, porque vamos a poner con este tipo de fotos a la cámara un poco al límite y subirlos bastante.

Ah! y si el objetivo tiene estabilizador de imagen, lo APAGAMOS

Además de estos cuatro puntos, es bueno recalcar que viene bastante bien encontrar alguna app para el móvil que nos ayude a localizar las constelaciones.

Dicho esto, ahora empezamos a CONFIGURAR LA CÁMARA para hacer la foto.

Lo primero es el ENFOQUE. Esto puede ser un poco difícil ya que tenemos que enfocar a distancia hiperfocal. De esta manera obtendremos la máxima cantidad de profundidad de campo, consiguiendo una imagen enfocada desde el infinito hasta lo más cerca posible de la cámara.

La distancia hiperfocal no se obtiene de la misma manera en cada cámara y objetivo. Esto es algo complicado ya que dependiendo de la distancia focal, y de si la cámara es de formato completo o tiene función de recorte del sensor. Esto ya lo explicaré en la próxima entrada al blog

En el caso del equipo que yo voy a utilizar (500D + 17-50 f/2,8) la configuración que tengo que establecer es la siguiente:

Enfocar de forma manual a una distancia de 5,39 metros con el diafragma a f/2,8. De esta forma, desde ese punto hasta el infinito todo saldrá enfocado. 

Si el objetivo no dispone de ventana de enfoque, podemos utilizar una distancia y una cinta métrica para conseguir enfocar a la distancia deseada.

En cuanto a la APERTURA DEL DIAFRAGMA vamos a dejarla a la máxima apertura posible (f/2,8 en mi caso). De esta manera conseguiremos la máxima captación de luz y no perderemos profundidad de campo ya que estamos enfocando a distancia hiperfocal.

Le toca a la DISTANCIA FOCAL Y ENCUADRE, vamos a utilizar la más corta posible (en mi caso 17mm que vienen a ser unos 24) así conseguiremos que en nuestra toma "quepa" la máxima cantidad de cielo y poder permitirnos incluso introducir diferentes aspectos que la embellezcan, como por ejemplo el contorno de un árbol o una roca, el reflejo del agua, etc. sin tener que prescindir de gran parte del cielo al encuadrar.

Otro aspecto importante es la VELOCIDAD DE OBTURACIÓN. Debe ser lenta, pero sin tampoco pasarnos. de esto hablé ya anteriormente en otra entrada en el blog donde explicaba cómo fotografiar un cielo estrellado 

Para saber cual es la velocidad idónea nos vamos a basar en la regla de los 600, aunque yo por curarme en salud, en vez de basarme en 600 me baso en 500, de esta forma me aseguro que no le salga la estela a las estrellas por estar demasiado tiempo el obturador abierto.

¿En qué consiste esta regla? Fácil. Para hallar el tiempo correcto de exposición, tenemos que dividir 500 (o 600 si queréis) por la distancia focal del objetivo multiplicada por 1,6 en el caso de que nuestra cámara tenga este factor de recorte del sensor. Si es Full Frame no hay que multiplicar esto.

Esta es la velocidad que voy a utilizar en mi caso

Ahora llega el turno de la SENSIBILIDAD ISO. Cuanto más ISO utilicemos, más brillante quedará la vía láctea ya que los receptores de luz serán más sensibles aumentando la exposición aunque la luz captada no varíe al no aumentar el tiempo de exposición.

Dependiendo del ruido que adquiramos en la foto, iremos variando el ISO, usando el valor más alto que podamos sin llegar a cargarnos el resultado.

Después en Lightroom podemos reducir la cantidad de ruido, pero cuidado. Tenemos que tener en cuenta que este proceso provoca pérdida de nitidez en la imagen.
Empezaré probando un ISO 1600

En cuanto al BALANCE DE BLANCOS, debemos usarlo de forma manual (antes de irnos a hacer la foto deberíamos practicar un poco para hacerlo bien en el momento importante)

La temperatura de color aproximada para fotografiar la vía láctea, según fuentes expertas, se encuentra entre los 3400-3900K. Trataremos de empezar a 3900K e iremos variando la temperatura a partir de ahí.
De todas formas se puede retocar la temperatura de la imagen después en el programa de Lightroom, pero debemos intentar hacer lo mejor posible la foto desde un principio para no tener que retocar y variar tanto la imagen en el post-procesado.

Si queremos, podemos utilizar puntos de LUZ EXTRA para añadir algo que resalte en la imagen. Usando por ejemplo el flash a baja intensidad para iluminar alguna zona para que salga expuesta y darle cierto volumen a la foto.
Probablemente la temperatura quedará diferente por el efecto del flash en esa zona pero se puede corregir con el pincel de Lightroom.

Esto es opcional, ya depende de la idea que se tenga pensada para encuadrar y componer la foto. Yo intentaré probar tanto utilizando luz, como sin utilizarla.

REVISAR EL HISTOGRAMA es algo también muy importante. Haciendo esto no nos basaremos simplemente de lo que vemos a simple vista en la pantalla de la cámara, que dependiendo de diferentes condiciones, nos puede dar una información errónea y llevarnos un disgusto al pasarlas posteriormente al ordenador.

Eso sí, tenemos que tener en cuenta que el tipo de imagen que vamos a conseguir se trata de una fotografía oscura, por lo que vamos a obtener por lo general un histograma que a los medios tonos y los oscuros. Algo más o menos parecido a esto:

Lógicamente cada foto será diferente, no hay un histograma igual a otro.

Por último, aunque no haga falta decirlo, la foto es mejor sacarla DISPARANDO EN RAW. Yo personalmente no me considero un purista de estos que te dicen que si no disparas en RAW es que no sabes hacer fotos y chorradas de estas. Como he comentado en entradas anteriores, yo disparo tanto en RAW, como directamente el JPG, dependiendo de lo que busque en ese momento con la foto, y estoy más que contento con el resultado que obtengo tanto de una forma y en una situación, como de la otra. Si se trata de un paisaje al atardecer por ejemplo y quiero trabajar sobre altas luces y sombras dándole caña a la foto, pues lógicamente dispararé en RAW.
Pero no por chorradas de esas del tipo de "Disparar en RAW es lo más parecido a lo que hacían antiguamente los fotógrafos con cámaras analógicas, donde la foto era totalmente tuya, eso sí que era ser fotógrafo" Emm.. vale, estupendo. Está claro que la foto en RAW te proporciona mucha más información sobre colores, sombras, exposición, etc. a la hora de procesar la imagen. Pero vamos a ver, si lo que quiero es hacerle una foto a mi perro por ejemplo y las condiciones de luz de ese momento me garantizan una foto con la que estoy contento, pues disparo en JPG y listo. "Pues eres un mal fotografo" vale, estupendo, gracias, hasta luego.

Bueno, que me estoy enrollando, ya acabo. Básicamente haced lo que os de la real gana y lo que oos sirva simplemente para obtener el resultado que queráis. Pero en esta foto concretamente sí que recomiendo disparar en RAW porque va a requerir un post-procesado algo más complicado y es bueno que dispongamos de la mayor información posible de la imagen y que ningún parámetro se ajuste de manera automática y que después, en el caso de que por cualquier cosa queramos alterarlo, se vaya la foto al garete. Así que esta foto, en RAW.


Y con esto acabo la entrada. Cuando haga las pruebas subiré otra con las conclusiones que he sacado. Espero que si alguien lee esto, que le sirva a conseguir su objetivo tal y como espero poder conseguirlo yo. Seguro que habrá diferentes formas o métodos para hacer esta foto. formas que estén mejor que esta y formas que estén peor, pero bueno, es la que he estado trabajando despues de leer y leer y espero que sirva, tanto a mí como al que quiera intentarlo.
Un saludo a todos.

Review Canon EF 50 mm f/1,8 II

(Imagen extraída de www.canon.es)

La distancia focal de 50mm de un objetivo es la más similar al campo de visión del ojo humano en condiciones normales (Esto ocurre así realmente hablando de cámaras con formato de sensor Full Frame, a los que anteriormente le dediqué una entrada que se puede ver pinchando aquí)

Debido a esto, resulta verdaderamente útil y conveniente en muchas ocasiones disponer de un objetivo de estas características en nuestro equipo. Yo con esta entrada presento un pequeño análisis de uno de ellos, del que tengo yo en mi equipo, se trata del Canon EF 50mm f/1,8 II

Para las cámaras digitales cuyo sensor no es de formato completo, es decir, que le aplican un factor de recorte a cada imagen, se encuentra a la venta un objetivo de una distancia focal algo mas corta, concretamente de 35mm, que aplicándole dicha función de recorte sería similar al 50mm en el formato completo. Este objetivo podéis verlo pinchando aquí

Bueno, a lo que íbamos, el análisis.

1. NO ES UN ZOOM

Lo primero de todo, es un objetivo de focal fija. Los zoom son objetivos cómodos en el sentido de que te dan más comodidad a la hora de facer la foto al variar su distancia focal. Esto tiene lugar gracias a una serie de lentes que, en su interior, se mueven aproximándose o alejándose unas de otras para conseguir la distancia focal deseada.
La focal fija, obviamente, no te proporciona esto, pero en cambio garantiza una nitidez mucho mayor al tener en su interior muchas menos lentes alineadas.

2. ES MUY LUMINOSO

Su apertura máxima llega a f/1,8 lo que lo convierte en un objetivo verdaderamente luminoso. Sí, es verdad que tenemos el 1,4 y el 1,2 pero bueno, teniendo en cuenta el precio de este frente al de los demás... Aun así, la apertura de su diafragma es bastante grande. Esto nos permite obtener velocidades de obturación altas, poder disparar mejor en condiciones de escasa luz, y, lo mejor desde mi punto de vista, conseguir un mayor desenfoque en el fondo al realizar una fotografía de retrato o a un primer plano.

3. RELACIÓN CALIDAD/PRECIO

Este es sin duda uno de los puntos más atractivos de este objetivo. Su precio oscila entre los 100-110€, y la calidad que proporciona es, sin duda, más que aceptable. El objetivo con apertura f/1,2 no lo he probado, el 1,4 sí y, bueno puede que sea quizás algo mejor, y un pelín más luminoso pero sinceramente a mí no me merece la pena gastarme los 300€que cuesta el 1,4 o los 1000-1200€ que cuesta el 1,2. sinceramente por ese dineral me compraría muchas otras cosas (canon 70D, canon EF 400mm L, etc, etc, etc.) así que por el precio que vale, que no se si podemos encontrar nuevo un objetivo más barato, está más que bien u se lo recomiendo a todo el mundo, ya tenga una cámara full frame o con factor de recorte.

4. ENFOQUE RÁPIDO

No tiene el enfoque "Ultrasonic"de Canon (el 1,4 y el 1,2 sí lo tienen), pero aun así, enfoca de manera bastante rápida. Eso sí, es un poco ruidoso, aunque nada del otro mundo. Tengo un Tamron 17-50mm f/2,8 (que me encanta) y en comparación con este, hablando del sonido que hace el anillo de enfoque al girar...
Y claro está, estamos hablando de un objetivo económico, no podemos exigir que el objetivo traiga las prestaciones de uno de 600€, tenemos que ser realistas, por lo que podemos decir que la velodicad de enfoque está verdaderamente bien.

5. PESO Y TAMAÑO

El objetivo pesa bastante poco ya que su construcción es prácticamente de plástico de principio a fin. Esto a mí sinceramente me preocupa bastante poco. Nunca le doy importancia al peso del equipo ya que pese o no lo llevo todo siempre encima (cámara, objetivos, flash, prismáticos, trípode, etc.) Así que no es algo que tenga en cuenta a la hora de comprar un objetivo, cámara o cualquier cosa. Pero bueno, como sé y comprendo que hay gente que sí le interesa esto, pues ahí lo dejo. Pesa muy poco.

En cuanto al tamaño, generalmente los objetivos de estas características son bastante pequeños, cómodos y fáciles de manejar. Y éste en cuestión es el más pequeño de sus tres "hermanos"

6. NO INCLUYE PARASOL

Este es un aspecto que no me gusta nada, tanto en este objetivo como en la gran mayoría de objetivos de Canon. El parasol no se incluye. La verdad es que esto me parece una pena, ya que te gastas un dineral en un objetivo para que te tengas que comprar una pieza de plástico a parte. y precisamente, hablando de piezas originales claro, no es barata. pero afortunadamente en Internet podemos encontrar una gran variedad de piezas compatibles que nos lo ponen un poquito más fácil. dejo aquí un enlace para comprar un parasol compatible para este objetivo

7. NO TIENE VENTANA DE ENFOQUE

Eso sí lo echo de menos. el objetivo no posee ventana de enfoque a diferencia de los otros dos que sí que la tienen. Puede que esto para diferentes ocasiones no sea del todo necesario, pero en casos como la fotografía macro por ejemplo sí que es verdaderamente útil.

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En conclusión, se trata de un objetivo bastante recomendable teniendo en cuenta la calidad de imagen que proporciona, su luminosidad, su tamaño y peso, y por supuesto su precio.

Yo lo tengo en mi equipo, y cuando se estropee, que espero que sea dentro de mucho, volveré a comprarlo porque es realmente versátil y estoy muy contento con sus resultados.

Restaurar fotos antiguas con Photoshop CS6 FÁCIL Y RÁPIDO

Hay muchas formas de restaurar fotos antiguas, pero una rápida y sencilla es a través de Photoshop usando la herramienta "Tampón de clonar" para corregir todos los desperfectos que ha podido sufrir la foto durante el paso del tiempo. Ahora explico cómo se hace.

Aquí podemos ver la foto escaneada y abajo el resultado obtenido:

Lo primero de todo, a la hora de escanear la foto, debemos asegurarnos de que lo estamos haciendo al nivel máximo de resolución de pixels por pulgada de la impresora (ppp) para que podamos ampliar la imagen cómodamente y retocarla sin que ésta se pixele.

1. Una vez que tenemos ya lista la foto y guardada en JPG, la abrimos con Photoshop y lo primero que hacemos es Duplicar la capa base para no trabajar directamente sobre la original.
2. Con la capa duplicada, lo que hacemos en primer lugar es utilizar la herramienta "Tampón de clonar" para ir poco a poco corrigiendo todos los desperfectos de la foto. Utilizando los diferentes niveles de opacidad de esta herramienta según nos resulte más conveniente en cada situación de la reparación, como podréis ver en el vídeo del final de la entrada.
3. Si la foto tiene bordes irregulares, podemos usar un pequeño truco que consiste en recortar los bordes de la foto y en volver a recuperarlos haciendo lo siguiente:

• Ampliamos con la herramienta recorte la imagen de nuevo a su tamaño original (Teniendo en cuenta que en la gestión de colores del pincel, abajo a la izquierda, el color de abajo sea el blanco.)
• El espacio creado lo seleccionamos con la herramienta varita mágica (Clic derecho a la herramienta de selección rápida) que seleccionará automáticamente todo el espacio. Una vez seleccionado el espacio, pinchamos en el menú superior de la pantalla SELECCIÓN > MODIFICAR > EXPANDIR y expandimos unos cuatro pixels (que a simple vista no se nota, pero si ampliamos la imagen podremos ver que sí que aumenta la selección.
• Por último, una vez que hemos hecho esto, pinchamos sobre EDICIÓN > RELLENAR y rellenamos seleccionando "según el contenido" y a un 100% de opacidad. Una vez que acabe este proceso automático, podemos corregir cualquier imperfección que pueda crear con la herramienta de Clonar de la misma forma que hicimos con las camisetas por ejemplo.

Una vez que terminemos de hacer esto y que el resultado de nuestra reparación nos guste, le aplicamos ajustes como si estuviéramos retocando una foto normal y corriente, como el contraste (Que pierde bastante al escanear), el brillo o la intensidad de las sombras.

Cuando estemos contentos con el resultado, acoplamos la capa duplicada que creamos al principio a la capa base y la exportamos al formato que queramos, ya sea JPG o PSD o cualquier otro dependiendo de lo que queramos hacer con ella.

Lo que enseño en esta entrada no está destinado únicamente al retoque de fotos antiguas escaneadas del papel. Sino que además de para este fin, se puede utilizar la herramienta tampón de clonar para corregir fácilmente y de manera óptima posibles desperfectos que se puedan encontrar en la toma, ya sea de un desperfecto en una zona de césped en un jardín por ejemplo, residuos o manchas en suelos, o cualquier elemento que se quiera eliminar porque no interesa que aparezca en la imagen.

En la siguiente entrada que suba explicaré cómo hacer esto de una forma mas concreta y clara para que, además de que sirva como ayuda para otro tipo de retoque, complemente a lo explicado e esta entrada.

Obtener efectos TILT-SHIFT con Adobe Photoshop CS6

En esta entrada se va a hacer un tutorial para conseguir a través de Photoshop los efectos que se consiguen con los objetivos Basculables y descentrables (Canon TS-E) de los que ya hablamos en una entrada anteriormente, que podéis verla pinchando aquí

Como en esa entrada se hablaba esos objetivos son bastante CAROS y no los usamos tan a menudoa no ser que nuestro objetivo a la hora de hacer fotos sea exclusivamente el de obtener los efectos que gracias a ellos se obtienen.

Por eso se hace este tutorial, para conseguir unos efectos bastante decentes que pueden sacarnos de más de un apuro en determinadas ocasiones sin la necesidad de poseer un objetivo de estas características.

El primero de los tutoriales nos ayuda a conseguir el efecto "TILT", que por si no recordais o no habeis leido la entrada anterior, es efecto que altera, gracias a la basculación de la lente, la profundidad de campo y se obtienen diferentes resultados, como por ejemplo el "Efecto maqueta"

                                                                    ADJUNTAR video

Con el segundo tutorial conseguimos el efecto "SHIFT" que nos ayuda a corregir los errores de las perspectivas, de edificios por ejemplo, al disparar con objetivos angulares. Para mí, este es el más util de los ambos efectos. Aquí adjunto el video:

                                                                     ADJUNTAR video

Espero que estos videos os hayan servido, para cualquier duda, dejad un comentario y os responderé en cuanto pueda.

¡Megapost hidrohide terminado!

Ya está listo el Megapost en el que explico la construcción de mi hidrohide, un escondite flotante que puede dar muchísimo juego para conseguir fotos de aves, por ejemplo, a ras del nivel del agua pudiendo acercarnos bastante a ellos sin que se den cuenta de que estamos allí ;)

Podéis verlo en el menú lateral de la derecha en la sección "Qué tenemos aquí" o pinchando aquí

Espero que lo disfrutéis y que os anime a buscar nuevas ideas para hacer fotos.

Un saludo a todos

Diego López

El formato completo

En la entrada de hoy vamos a hablar sobre un tema muy simple pero que a veces poca gente conoce, se trata del tema del formato completo. ¿Qué es esto?  La designacion de formato completo se refiere al sensor que poseen algunas cámaras, concretamente desde que la tecnologia digital se unió con la fotografia, se refiere al sensor de las DSLR profesionales.

Desde que comenzó la fotografía digital, el sensor que poseen la inmensa mayoría de las cámaras se trata de un modelo más pequeño que el de 35mm de las cámaras tradicionales (que sería el que actualmente se le denomina "Full Frame") que, al ser más pequeño, parte de la toma supera y no queda plasmada en dicho sensor,aportando así digamos un factor de ampliación (normalmente x1,6) a la distancia focal que se esté utilizando.

Se dice que las cámaras de formato completo son cámaras profesionales, o al menos diseñadas para aportar un rendimiento de tipo profesional porque gracias a que el sensor que poseen es de mayor tamaño, es capaz de albergar más datos e información sobre cada disparo, por lo que la cámara garantiza una mayor calidad y nitidez en cada toma.

Además de por este aspecto, la distancia focal que marcan los objetivos es realmente la que se obtiene en cada toma, ya que el factor de ampliación del que antes hablaba no es técnicamente de ampliación, sino de recorte al ser un sensor más pequeño.

Es cierto que el sensor Full Frame es más grande y garantiza mayor nitidez, pero no es ese el único aspecto que hace que las cámaras con este sensor sean tan caras. Además poseen unas especificaciones técnicas muy avanzadas, como niveles muy altos de sensibilidad ISO, procesadores potentes, altas velocidades de disparo, etc. Pensadas para, junto a las posibilidades que aporta el sensor Full Frame, aportar al fotógrafo todos los medios necesarios para alcanzar ciertos aspectos que con cámaras más básicas no se podrían obtener.

Los modelos que Canon ofrece de cámaras de fotos con sensores Full Frame son:

- Canon EOS 1D X
- Canon EOS 1D C

- Canon EOS 5D mark III
- Canon EOS 5D S
- Canon EOS 5D SR

- Canon EOS 6D

Es cierto que son unas cámaras tremendas, pero desde mi humilde opinión, no lo considero rentable si a lo que uno se dedica con la fotografía es más que nada a divertirse y disfrutar de la fotografía tomándola como hobby no merece la pena gastarse el dinero en estas cámaras, ya que varias de sus especificaciones que ponen a la cámara más al límite en raras ocasiones las utilizaremos.

Esto es sólo mi opinión, Está claro que quien quiera y pueda se puede comprar la cámara que desee siempre y cuando esté dentro de sus posibilidades, pero desde mi punto de vista prefiero hacer una inversión en una cámara tal como la Canon EOS 7D que garantiza muchísima calidad o en una buena lente. Pero claro, quien pueda y quiera, este tipo de cámara es una pasada. En mi caso, la fotografía de naturaleza, obtendría una nitidez y unas distancias focales angulares impresionantes.

Otro tipo de sensores, ya mucho más grande (y caro por su puesto) es el sensor de formato medio. este sensor es el doble de grande que los sensores Full Frame y está pensado para fotografía a lo grande. Más adelante escribiré una entrada hablando sobre esto.

Objetivos descentrables y basculantes (Canon TS-E)

En la entrada de hoy voy a hablar sobre los objetivos descentrables y basculantes de Canon, me refiero a la gama de las lentes con denominación TS-E.

El principal destino de esta gama de objetivos se basa en la fotografía arquitectónica, ya que los dos movimientos que pueden realizar (Tilt y SHift, basculación y descentración que más adelante se pueden ver en la foto) generan efectos que embellecen las tomas. A continuación explico estos dos movimientos:

• El primero de los movimientos, el que se denomina "TILT" consiste en la basculación de la lente, cambiando así el plano del foco. Este proceso tiene como consecuencia la alteración de la profundidad de campo en la foto a través del desenfoque en diferentes zonas de la imagen. 

• Con este movimiento conseguimos la típica fotografía de estilo de maqueta, haciendo que una imagen real parezca un escenario de la misma a escala.

• El segundo es el movimiento "SHIFT", este consiste en el desplazamiento lateral descentrando el objetivo hacia arriba o hacia abajo. Este proceso tiene como consecuencia la corrección de las perspectivas tal y como se puede ver en esta imagen:

• 
• Por este efecto principalmente se utiliza esta gama de objetivos para la fotografía de carácter arquitectónico

A día de hoy, Canon tiene cuatro modelos de objetivos de estas características a la venta:

1. Canon TS-E 17mm f/4 L: El más angular de su gama por su distancia focal es el más idóneo de los cuatro para la fotografía arquitectónica
2. Canon TS-E 24mm f/3,5 L II: Tras su actualización, se comenta que ofrece una calidad de imagen muy superior a su antecesor, calidad que se aprecia incluso en los bordes de las fotografías. Por su distancia focal, se puede comparar el efecto que proporciona el 17mm si ese estuviera montado en una cámara con factor de multiplicación y este objetivo en una de formato completo.
3. Canon TS-E 45mm f/2,8: La distancia focal y el estilo de fotografía que ofrece este objetivo es muy similar a la que ofrece el versátil 50mm que para tantas y diversas funciones se utiliza, con la diferencia de que este ofrece la variación Tilt-Shift.
4. Canon TS-E 90mm f/2.8: Este es el objetivo descentrable con el valor de distancia focal más alto que vende Canon. Fue el primer teleobjetivo en formato 35mm con la posibilidad de ofrecer movimientos de basculación y descentración.

En resumen, se trata de objetivos de una calidad bastante alta (al fin y al cabo son objetivos profesionales de la serie L) y muy interesantes no sólo para la fotografía arquitectónica, sino además para conservar la perspectiva en fotografías de paisajes tales como acantilados, bosques espesos, etc.

En esta imagen se puede apreciar cómo se llevarían a cabo diferentes movimientos que permiten estos objetivos

Espero que esta entrada os sirva para conocer un poco más diferentes aspectos en relación al equipo fotográfico que no son tan conocidos y que ofrecen posibilidades en ocasiones inimaginables y que pasan desapercibidas, pero una vez que se conocen suponen una herramienta verdaderamente útil.

Es cierto que el precio de los objetivos de estas características no es atractivo... por eso en la siguiente entrada escribiré sobre cómo podemos obtener los resultados que ofrecen estos objetivos con nuestros objetivos normales, eso sí, con la ayuda de Photoshop.

Camuflaje. ¿Sí o No?

En esta ocasión escribo sobre el tema del camuflaje para salir a hacer fotos en mitad de la naturaleza.

A mí, personalmente cuando empecé, me parecía algo absurdo, está claro que pensaba que ir vestido con colores llamativos como el rojo por ejemplo no era lo más conveniente, pero que simplemente con ir vestido con colores discretos como marrón, verde cacería, etc. era más que suficiente.

Y sí, quizás lo es, pero lo cierto es que después de experimentarlo, llego a la conclusión de que realmente sí que ayuda el camuflaje a la hora de acercarte a un animal para obtener mejores fotos.

Cuando digo camuflaje, no me refiero al camuflaje militar de este tipo:

Sí, puede servir, pero realmente con esto estamos consiguiendo lo mismo que si vamos vestidos con ropa discreta como antes decía. Al camuflaje que me refiero es uno mucho más realista, a una ropa cuyo diseño refleja diferentes entornos propios del medio natural, tales como bosques, zonas rocosas, entornos de humedales, etc. Un ejemplo es esto:

Aquí podemos ver un camuflaje mucho más realista y que nos ayuda a mimetizarnos con el entorno. Realmente este tipo de camuflaje tiene su mayor mercado en el mundo de la caza, pero desde mi punto de vista, la fotografía de naturaleza guarda relación con la caza en el sentido del sigilo, la discreción y la paciencia, la diferencia es que en vez de disparar con un arma, disparamos con la cámara, y no tengo que matar a ningún animal para conseguir mi trofeo (Para mi la naturaleza es algo importante y respetable, y por ello no me gusta lo relacionado con la caza para conseguir trofeos. Soy "carnívoro" y parto de la idea de que si soy capaz de comer carne debo ser capaz de matar a un animal para comérmelo, pero no para lucir su cabeza en el salón de mi casa... Para eso tengo mi cámara.)

Bueno a lo que íbamos, Este camuflaje, por lo que he ido conociendo, principalmente lo patentan dos empresas: Realtree y Mossy Oak, dos empresas americanas, aunque podemos encontrarlo fácilmente en portales de compraventa online como Ebay o incluso en la web de Decathlon, que han empezado a vender prendas con este tipo de camuflaje en la sección de caza. A mí personalmente cada vez me gusta más este tema y poco a poco voy comprando más artículos, desde una camiseta a unos guantes, pasando por gorras, chaquetas, etc.

Por supuesto, no por ir camuflado quiere decir que vamos a poder acercarnos a cualquier animal y conseguir la toma perfecta. Está claro que por mucho camuflaje que tengamos encima, el sigilo, la discreción y la paciencia, además de dominar nuestro equipo fotográfico, es la base sobre la que debemos partir para conseguir buenas fotografías.

Realmente, la actividad de hacer fotografías de fauna podemos compararla en cierto modo como la cacería. En lugar de disparar al animal con una escopeta, lo hacemos con la cámara, y para ello debemos acercarnos a él lo suficiente sin ser vistos, eso sí, respetando y siendo siempre conscientes de las necesidades de dicho animal.

Espero que entradas como estas os sirvan de inspiración y que si estáis pensando en el tema del camuflaje, que os animéis.

Fotografiar un CIELO LLENO DE ESTRELLAS

En esta entrada os explico cómo podéis fotografiar un cielo nocturno y que éste salga repleto de estrellas. Esto es algo complicado de conseguir pero con paciencia, y si se sigue este tutorial al pie de la letra, se conseguirán unos resultados bastante interesantes.

Antes de nada, vamos a ver qué vamos a necesitar:

1. Cámara reflex. (Con bastante bateria...)
2. Un trípode estable y robusto
3. Un disparador a distancia para minimizar los movimientos a la cámara al disparar, (También podemos utilizar el Live View ya que esta función, al no necesitar el visor ocular, bloquea el espejo y minimiza aun más las vibraciones al disparar.
4. Encontrar una zona sin contaminación lumínica ya que cuanto más oscura esté la escena, más facil resultará captar la luz de las estrellas, y por supuesto, noches SIN LUNA la luna hace esto imposible, los paisajes que veis, en su mayoría, consisten en introducir la luna con Photoshop

(Imagen extraida de www.fotonaturaleza.cl) Tv:30 F:2.8; ISO:1000 DF:11 mm, lente tokina 11-16

A continuación os explico qué debemos hacer para lograr obtener una buena toma:

• En primer lugar vamos a desactivar el AF para que no se vuelva loca la cámara con la falta de luz. Utilizaremos el enfoque manual (MF) enfocando al infinito

• El siguiente paso es establecer una sensibilidad ISO alta. entre 2000 y 4000 aunque debéis ir probando en vuestras cámaras, lo más alto posible sin que el ruido se muestre en exceso.

• Ahora colocamos nuestra cámara en modo manual M para poder controlar la velocidad del disparo junto a la apertura del diafragma que deben configurarse de esta manera

1. Máxima apertura: 2,8 - 3,5 etc.
2. Disparo lento entre 10 y 30 segundos
• Debemos ir probando (velocidad y apertura) hasta obtener una buena toma

• Preparamos el disparador remoto y configuramos la cámara para que dispare en RAW y si el objetivo que vamos a utilizar está equipado con ESTABILIZADOR DE IMAGEN, lo desactivamos

Ya que tenemos la configuración de la cámara preparada, colocamos la cámara en nuestro trípode y nos ponemos manos a la obra, intentando hacer un encuadre bonito además de esquivar las nubes en la toma, ya que éstas saldrían subexpuestas y totalmente negras empobreciendo la imagen si lo que buscamos es obtener un cielo totalmente estrellado, ya cada uno que decida cómo la prefiere, para gustos los colores.

Comenzamos a disparar probando la apertura del diafragma y la velocidad de disparo. Empezamos poniéndolo todo al máximo (ISO, apertura, y 30 segundos de vel.) y evidentemente lo que obtendremos es una imagen sobreexpuesta, pero partiremos de esta para asegurarnos de que es el encuadre que nos gusta y para ir cambiando los parámetros para que progresivamente consigamos una mejor toma

IMPORTANTE!! tener en cuenta que la Tierra no es estática, que aunque no nos demos cuenta, se mueve a una velocidad altísima tal y como comentamos anteriormente en la entrada Fotografiar la luna. Este movimiento puede afectar a nuestra toma (aunque se puede aprovechar para realizar otras técnicas fotográficas tales como la de la Circumpolar a la que ya le dedicaré una entrada).

Lo que sucede a raíz de este movimiento es que las estrellas dejan una pequeñas estelas, para asegurarnos de que esto no nos sucede emplearemos la siguiente fórmula:

600/distancia focal = tiempo máximo de exposición

Es decir, si estamos fotografiando con un 18mm, debemos dividir 600/18, y el resultado (33 en este caso) sera el máximo tiempo del que dispondremos para disparar.

Pero claro, si nuestra cámara no es Full Frame (si no es una Canon 5D, 6D, o 1D) la fórmula cambia, debemos añadirle el factor de multiplicación de focal que incluyen el resto de cámaras (x1,5) La fórmula quedaría así:

600/distancia focal x1,5 = tiempo máximo de exposición

Es decir, multiplicaríamos en este caso 600 por el resultado de la multiplicación de 18x1,5, y el resultado (22 segundos en este caso) es el tiempo del que disponemos como máximo.

Esta fórmula nos ahorrara unos cuantos de disparos de prueba hasta que obtengamos la toma que buscamos. Ahora a probar, espero que esta entrada sirva de ayuda para aprender a hacer fotos de este tipo

Comparto aquí una foto que he realizado basándome en estos pasos. Practicando y con paciencia se puede conseguir cualquier fotografía. Esta es la primera que hago de este tipo, ahora a practicar para mejorarlas ;)

Fotografiar La Luna

¡Hola a todos! En esta entrada vamos a hablar sobre cómo fotografiar a la luna. Parece una fotografía sencilla y que simplemente requiere poseer un objetivo de una distancia focal alta, pero no nos sirve únicamente con eso, necesitamos, como siempre, ajustar los parámetros de nuestra cámara para obtener los mejores resultados en la toma. ¿Cómo lo hacemos? A continuación tenéis la explicación.

Antes de nada, debemos saber a qué estamos fotografiando. La luna no se trata de un motivo estático ni mucho menos, La luna se encuentra a miles de kilómetros de distancia de nosotros, concretamente a 384.400 km, y gira alrededor de la Tierra a una velocidad aproximada de 3.700 Km/h. Por lo que teniendo en cuenta la distancia y la velocidad que caracteriza a la luna además de la falta de luz por motivo de la noche, esta técnica de fotografía puede resultar bastante complicada.

Lo principal que necesitamos antes de nada es SUJECCIÓN Y ESTABILIDAD, por lo que además de la configuración de la cámara debemos disponer de:

- Cámara en modo manual (M)
- Objetivo de distancia focal alta (a partir de 300mm)

- Trípode, cuanto más pesado y robusto mejor

- Disparador a distancia

Una vez que conocemos lo que necesitamos para realizar la fotografía, empezamos a explicar cómo lograr una buena toma paso a paso:

1. Lo primero, una vez que sabemos la fase en la que la luna se encuentra y tenemos preparada nuestra salida, debemos encontrar una ZONA OSCURA en la que nos acomodaremos para realizar la fotografía. Tenemos que buscar la máxima oscuridad posible, por lo que cuanto más alejados estemos de la ciudad, mejor.

2. Montamos nuestro equipo. Buscando una ZONA ESTABLE para colocar el trípode con la cámara montada teniendo preparado el Disparador a distancia o disparo en modo retardo si no tenemos disparador.

3. Fundamental, configurar la cámara en modo MEDICIÓN PUNTUAL, ya que si dejamos el modo de medición evaluativo, la cámara tendrá en cuenta también la oscuridad del fondo para intentar que salga bien expuesto también.

4. Preparamos nuestra cámara en la máxima distancia focal posible y situamos el diafragma del objetivo a una APERTURA MEDIA, en el llamado "Punto Dulce", aproximadamente un f/9 dependiendo de la apertura máxima y mínima de cada objetivo. Con esto conseguimos mayor profundidad de campo además de una mayor nitidez en la imagen siendo esta la apertura que mayor nitidez garantiza en cada toma. No debemos cerrar el diafragma demasiado ya que estaríamos corriendo el riesgo de que entrara muy poca luz en el objetivo.

5. Para alcanzar una mayor estabilidad y eliminar el menor movimiento de la cámara, podemos bloquear el espejo del obturador. Si no sabéis como hacerlo, podéis activar el "Live View" (pantalla de la cámara en lugar del visor)

6. Sensibilidad ISO al Mínimo. Vamos a obtener una foto en la que encontraremos un fondo de oscuridad total y homogénea, por lo que podemos encontrarnos con la presencia de ruido, para corregir esto, bajamos la ISO.

7. Velocidad del Obturador: Ni muy rápida ni muy lenta, es decir, según en cada situación, con los anteriores parámetros ya establecidos, debemos ir probando diferentes velocidades de disparo, buscando poco a poco la mejor exposición de la luz posible. Aproximadamente podemos empezar a una velocidad de 1/200 seg. subiéndola o bajándola ya según nuestro criterio.

8. Revisad bien y dedicadle tiempo al post-procesado. En primer lugar, tras cada foto, visualizadla, y ampliad el zoom para comprobar que realmente ha quedado nítida, ya que la pantalla de la cámara al ser tan pequeña, nos puede engañar y llevarnos un chasco al pasar la foto al ordenador. Una vez que la tienes ya en el ordenador, tómate tu tiempo para editarla.

Si habeis seguido todos los pasos, os debe haber quedado una fotografía similar a esta:

Aquí la tenemos, una luna sin que salga demasiado expuesta, ni movida. Esta fotografía concretamente es un recorte de una que hice con un 300mm. si disponéis de una focal mayor, los resultados serán aun mejores.

Además es interesante poner a prueba la creatividad intentando utilizar la luna como complemento a alguna foto de paisaje nocturno. Ya sabéis cómo se hace, ahora a probar!

¿Light Painting? ¿Efecto seda? Fotografías de EXPOSICIÓN LENTA

Hola a todos. La semana pasada salí a la calle probando y aprendiendo nuevas técnicas de fotografía, y por eso en esta entrada vamos a hablar sobre el "Light Painting", es decir, pintar con la luz en nuestras fotos. ¿Cómo? gracias a la exposición lenta.

El secreto está en dejar abierto el obturador, y con algún punto de luz realizar el dibujo que deseemos en el aire mientras dicho obturador sigue abierto. Por supuesto es ESENCIAL un trípode que sujete y le aporte firmeza e inmovilidad a la cámara para que la foto no salga movida. Se debe buscar, normalmente, una zona oscura para intensificar el efecto de los dibujos de luz, aunque más adelante en esta entrada se explicará más a fondo cómo tenemos que configurar la cámara para conseguir una buena toma. 

La configuración de la cámara es muy importante ya que no sólo se puede utilizar esta técnica en oscuridad total, y claro, si en la foto aparecen otras zonas iluminadas además del dibujo de luces, podemos correr el riesgo de que la foto salga "quemada" si no configuramos bien los parámetros.

Para ello, salí a la calle y me puse manos a la obra buscando, probando y realizando fotografías, tales como estas:

En estas fotografías es fundamental configurar bien la cámara para obtener una buena toma, para ello es fundamental disparar en modo manual (M) o en su lugar, en modo Prioridad de Apertura (Av). Se debe tener en cuenta que para disparar lento se deben realizar una serie de ajustes previos como:

- BAJAR EL ISO (Que además nos aportará menos ruido) 

- CERRAR EL DIAFRAGMA (Cuanto más cerrado esté entrará menos luz al sensor, por lo que más     despacio podremos disparar) 

- Dejar la COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN a 0.

- TRÍPODE FUNDAMENTAL

- Usar DISPARADOR A DISTANCIA

En resumen, el Light Painting se trata de una técnica fotográfica con la que, practicando y sacándole partido, podemos conseguir tomas realmente originales y atractivas.

Además, la exposición lenta no nos sirve sólo para hacer Light Painting, podemos utilizarlo en nuestras fotografías para aportarle algún efecto, como por ejemplo en la siguientes fotos:

En estas dos fotografías por ejemplo, podemos ver cómo al hacer una exposición lenta, adquirimos el "efecto seda" del agua embelleciendo la toma.

Espero que esta entrada os sirva de motivación para probar nuevas técnicas de fotografía y adquirir nuevas tomas más originales a vuestro repertorio.

Dar color a una imagen en blanco y negro

En esta entrada vamos a aprender a darle color a cualquier imagen que tengamos en blanco y negro, sepia, etc. Yo uso esta herramienta principalmente para eso, pero se puede utilizar para otras cosas como por ejemplo cambiar el color a algún objeto que aparezca en una imagen concreta. 

Realmente lo que conseguimos es eso, cambiar el color, no devolver el color original. A una fotografía antigua  que tengamos en blanco y negro por ejemplo y queramos dejarla a color, no podemos pretender que el color del vestido de la posible protagonista sea el color original, sino que le aplicaremos el color que nosotros creamos más conveniente. 

A continuación explico cómo se hace con una foto que he convertido previamente a blanco y negro:

Lo primero que tenemos que hacer es abrir la imagen con la que vamos a trabajar con el programa Adobe Photoshop CS, en mi caso el CS6. Ya con la foto abierta comenzamos a trabajar.

Vamos a trabajar a base de capas, concretamente con Capas de ajuste para el tono y la saturación (Capa -> Nueva capa de ajuste -> Tono/saturación) Nos aparecerá una ventana para que le asignemos el nombre que queramos a esa capa y al pulsar en Aceptar nos aparecerá a la derecha el menú con el que vamos a trabajar:

Debemos tener en cuenta que el TIC de Colorear esté marcado (y no como en el caso de este pantallazo). Al estarlo veremos cómo automáticamente cambia todo y nos va a permitir trabajar cómodamente.


Antes de continuar debemos saber que para cada color que aplicaremos, debemos añadir una capa de ajuste nueva. Cada capa es para un color. En este caso vamos a empezar con el cielo, por lo que buscaremos un tono azulado

Cuando hemos seleccionado el color que queremos para el cielo, lo que hacemos es recortar esta capa de tal manera que sólo actúe sobre esta zona. ¿Cómo lo hacemos? De la siguiente manera:
Lo primero que hacemos es pinchar en Imagen -> Ajustes -> Invertir de esta forma todo se volverá a poner en blanco y negro, pero ya con el tono de azul preparado para ser aplicado, que lo aplicaremos con la herramienta "Pincel" teniendo en cuenta que la selección de colores de este (Zona de abajo a la izq. de la pantalla) sea Blanco sobre negro. y comenzamos a pasar el pincel por la zona que queremos dejar azul.

(Además si pinchamos el el menú de Capas de la zona derecha de la pantalla, nos aparecerán todas las capas de ajuste que vamos colocando, y si pinchamos dos veces sobre el icono de Tono y saturación de la misma, nos vuelve a aparecer el menú de selección de color para retocarlo si una vez que la hemos aplicado con el pincel vemos que el color no es el mejor.)

Continuamos pintando poco a poco el cielo (aumentando el zoom y con pincel pequeño en las zonas complicadas para que quede mejor y más realista). Una vez hecho repetimos el proceso anteriormente explicado creando una nueva capa de ajuste con un color diferente. Yo esta vez voy a utilizar el tono rojo para la camisa:

Esto lo repetiremos una y otra vez, añadiendo capas y capas hasta que le devolvamos el color en su totalidad a la foto y estemos contentos con el resultado.

Poco a poco va quedando cada vez mejor (En este caso lo he hecho corriendo y sin tener cuidado con el mero fin de subir las imágenes para explicar cómo se hace, pero si os tomáis vuestro tiempo, obtendréis grandes resultados.

Una anotación más antes de concluir es para recordar que cuando la foto esté terminada, antes de guardarla, para poder hacerlo en formato JPG, se depe pinchar sobre la capa Fondo con el boton derecho del ratón (en el panel Capas de la zona derecha de la pantalla) y pinchamos sobre "Acoplar imagen" para que todas las capas se unan en una sola.

Espero que esta entrada os resulte útil y que os ayude a mejorar con Photoshop

Un saludo
Diego López

Rellenar un espacio añadido a una foto

       Muchas veces cuando hacemos una foto, nos damos cuenta a la hora de trabajar con ella en Photoshop que la imagen quedaría mejor si el motivo principal no estuviera tan cercano al borde de la imagen, es decir, que existiera mayor espacio alrededor del motivo.

       Para explicar mejor lo que quiero decir, os voy a explicar el proceso con una serie de capturas de pantalla en las que podréis ver lo que os comento y el resultado:

       Aquí podemos ver que la oreja del zorro está muy cercana al borde de la imagen, y llegamos a la conclusión de que el encuadre quedaría mejor si ampliamos este espacio separando el motivo inicial del borde de la imagen. Dicho esto, empezamos a trabajar.

       Lo primero que hacemos es utilizar la herramienta "Recortar" y ampliamos la imagen al tamaño deseado. Siempre teniendo en cuenta que la selección de colores que podemos encontrar abajo y a la izquierda de la pantalla esté establecida como negro sobre blanco. (Realmente no siempre es la mejor opción el negro sobre el blanco, lo importante es que el color secundario resalte sobre el color del borde de la imagen, y en muchísimas ocasiones el blanco es la mejor opción) Yo en el caso de la foto del zorro la he recortado de esta manera:

       Con la foto ya encuadrada a nuestro gusto pasamos a la siguiente fase: seleccionamos con la herramienta "Selección rápida seleccionamos la parte blanca que acabamos de añadir y a continuación, tal y como podemos ver en la siguiente imagen, accedemos a Selección -> Modificar -> Expandir y en la ventana que aparecerá seleccionamos una expansión de unos cuatro píxeles. (si aumentamos el zoom en la imagen una vez hecho esto nos daremos cuenta que la selección que hemos hecho abarca un poco más de la zona blanca, teniendo así información suficiente a la hora de rellenar nuestro recorte.)

        Una vez hecho esto, nos dirigimos a el marcador Edición ->Rellenar, y aparecerá la siguiente ventana:

       Aquí lo que tenemos que tener en cuenta antes de pulsar sobre Aceptar es que el relleno que se va a realizar sea "Según el contenido" y la fusión sea de modo normal y a un 100% de opacidad.

Y aquí tenemos la foto terminada.

        Realmente no es un proceso muy difícil, alguna vez puede ocurrir que al rellenar se copie en el espacio nuevo un trozo de la oreja del zorro por ejemplo. Si ocurre eso, simplemente utilizamos la herramienta "Clonar" (La novena en mi barra lateral de herramientas y sobre la que subiré un artículo) y poco a poco vamos eliminando de manera manual ese error.

Espero que esta entrada os sirva de utilidad y que os ayude a mejorar cada vez un poquito más en vuestro uso de Photoshop

Un saludo a todos

Diego López.

¿Dónde ver mis fotos?

         Algunas de las fotos que realizo normalmente las podeis ver en mi perfil que encontrareis en la dirección www.panoramio.com

          En esta pagina web podéis encontrar además de mis fotos, muchísimas fotos de todas las partes del mundo, por lo que podrán aportaros muchas ideas para vuestras fotos o para planear salidas y excursiones por ejemplo.

           Muchos fotógrafos, veo que suben sus capturas a otras páginas como por ejemplo 500px.com, dicen que si una es mejor, que si la otra es mas completa, etc. A mí eso personalmente me da igual, yo lo subo aquí porque me resulta más cómodo y útil aquí, por el tema de "mapear las fotos" y tenerlas localizadas y disponibles desde cualquier aparato con conexión a internet.

         Yo no busco una página para promocionar nada, símplemente quiero un espacio en la red donde tener guardadas las fotos que me gusten más de las que he hecho, y este espacio es el que más se adapta a lo que necesito.

Diego_lopalb Panoramio
Un saludo a todos.

¿RAW ó JPG?

        Muchísimas veces, en miles de páginas de Internet, encontramos foros y artículos sobre este tema. Mucha gente discute, e incluso se enfada con otras al discutir sobre esto, e incluso a veces parece que "eres de RAW" o "eres de JPG" como si fueras del Real Madrid o del F.C. Barcelona. Este tema la verdad es que me da la sensación que se le está dando una importancia que, desde mi punto de vista sobra.

        En la entrada de hoy, voy a hablar sobre esto, sobre mi opinión acerca de este tema y sobre lo que yo hago personalmente.

       En primer lugar vamos a analizar qué significa cada cosa. En los ajustes de los parámetros de la cámara, podemos ver que el título que se le aporta a este apartado es "Calidad" de cada toma. Con el termino Calidad, la cámara no se refiere a la belleza del color, a las iluminaciones, al contraste, etc. A lo que realmente se refiere es a la CANTIDAD DE INFORMACIÓN que puede abarcar cada archivo, cada fotografía. Encontramos cuatro: S, M, L, y RAW. 

Los tres primeros (S, M, L) al realizar la fotografía, la cámara guarda la información en un archivo .JPG, en cambio, el modo RAW, no guarda las fotografías en un archivo que se llame ".raw" ya que esto no existe.

    El término RAW hace referencia a una foto sin procesar, podríamos traducirlo como "crudo" y dependiendo de la marca de la cámara, se guardará en un formato determinado, en el caso de la mía, se guarda en formato ".CR2" En este formato no se configura absolutamente nada, mientra que en los tres restantes se configuran una serie de parámetros que previamente nosotros hemos establecido a nuestro gusto en los ajustes de nuestra cámara. Pero la autentica diferencia entre el modo RAW y los tres restantes es la cantidad de información que "cabe" dentro de cada archivo. En el caso del modo L (el mayor de los jpg), caben aproximadamente, y dependiendo de la cámara, unos 10-12 MB, en cambio, en el modo RAW pueden caber perfectamente 30-40 MB o más. Esto es así porque se guarda la información de toda configuración posible. Los tres modos restantes, al procesar la foto sólo se quedan por ejemplo con un tipo de contraste o con un tipo de saturación (insisto, el que nosotros hemos establecido previamente) borrando todo lo no seleccionado o no necesario, el modo RAW, al dar cabida a cualquier configuración posterior en el procesado manual, ocupa mucho más al almacenar muchísima más información, con la idea de que este archivo no sea la foto, sino que sea algo más bien como el negativo, el cual trabajaremos en un programa como Lightroom y que una vez que haya quedado la fotografía como nos guste, la exportamos a otro archivo (.JPG .PNG .TIFF...) y borrando, o almacenando si quisieramos, el archivo RAW.

        Con este archivo después, a la hora del post-procesado, tenemos muchísimas más posibilidades de edición, ya que al tener toda la información del contraste por ejemplo, tenemos un campo mucho más amplio para editar la foto en este aspecto, de la misma manera con cualquier otro parámetro a editar. En una fotografía en JPG el campo es algo más corto, dificultando la radicalidad del cambio de la saturación por ejemplo (en un JPG al saturar al máximo, los colores saldrían fluorescentes ya que se ha acotado previamente la gama de color de la imagen, en un RAW esto no pasaría porque tendríamos toda la "paleta" de colores a nuestra disposición.

         Pero ahora viene lo IMPORTANTE, ¿Qué es mejor? Yo no creo que el RAW sea mejor que el JPG, ni viceversa. Creo que cada formato está pensado para algo, y con una finalidad diferente, y que depende de nuestros gustos.

En mi caso personal, yo utilizo tanto el modo L como el modo RAW. Dependiendo del tipo de fotografía que vaya a hacer, me decanto por un formato u otro. Suelo utilizar el formato RAW cuando voy a hacer alguna fotografía de paisajes, o algún retrato por ejemplo, ya que estos motivos los suelo postprocesar más a fondo con Lightroom y darles un toque más personalizado. En otros casos, suelo utilizar el modo L, creando directamente un formato JPG ya que no necesitaré un procesado especialmente fuerte, como por ejemplo, fotografías de animales con teleobjetivo.

       En el ejemplo de esta imagen que vemos arriba, podemos ver una fotografía que he realizado guardándola directamente en JPG. Lo he hecho así símplemente por el motivo que comentaba, quiero que el resultado de esta fotografía sea natural, lo más parecido posible a como es el leopardo en la realidad. Busco los colores más certeros y la máxima nitidez posible dentro de lo que mi equipo puede aportarme. Por eso no necesito un post-procesado demasiado exhaustivo, por lo que una fotografía así de este tipo la guardo directamente en formato JPG y no tengo ningún problema con los pocos retoques que le haga con el programa Photoshop.

 

        En el caso de esta imagen, esta vez sí que configuré la cámara para que al disparar, guardara la imagen en formato RAW. Esta fotografía la tomé a las diez y media de la noche aproximadamente, por lo que si quería que toda la imagen saliera detallada iba a necesitar muchísima más información que en la toma anterior. Si la hubiera procesado directamente con el modo L (jpg) la hierba de los laterales por ejemplo, hubiera salido totalmente negra ya que el contraste y la luminosidad se habría aplicado por partes iguales toda la imagen, y para que las luces del fondo no salieran sobreexpuestas, se subexpondrían loas zonas oscuras de la hierba. Para evitar esto, disparo en RAW para tener información del color, tamto de la hierba como del resto de la imagen, de todas las configuraciones posibles (Sobreexpuesta, subexpuesta,saturada, etc.)

 

        Básicamente, para mí, la diferencia es esa, la cantidad de información que cabe en cada toma, en cada archivo. No me considero mejor fotógrafo por disparar o no en RAW, lo importante desde mi punto de vista es saber captar bien la imagen, saber componerla de forma que quedelo mejor posible, la diferencia entre RAW y JPG, símplemente sirve a la hora delpostprocesado, dependiendo de lo quequeramos con cada una.

        Me parece una tontería debatir sobre dispararen RAW o en JPG, símplemente son dos configuraciones de la cámara, ¿por qué debatimos sobre eso y no sobre sobreexponer o subexponer por ejemplo? Lo importante realmente es el resultado de la foto, sin más.

Sobre todo teniendo en cuenta lo que la fotografía supone para mí, un hobby, si me tuviera que dedicarprofesionalmente a esto puede que siempre disparara en raw ya que mis ingresos dependerían de la calidad de mi fotografía y por "curarme en salud" probablemente lo haría así, pero realmente, a día de hoy, creo que realmente no hace falta disparar siempre en RAW, sino que lo utilicemos cuando creamos que tendremos que retocar bastante una foto, como por ejemplo un retrato oun paisaje.

       Espero de verdad que esta reflexión os pueda haber resultado interesante, cuando yo empecé, hace unos tres años, leia mucho sobre este tema, y leyendo lo que comentabala gente sobre el RAW, me obsesioné en disparar siempre así, y algunas veces llegaba a frustrarme al quedarme muchas veces sin espacio en la tarjeta y al tener que dedicarle demasiado tiempo al post-procesado, que me encanta, pero en las que yo quiero y veo necesario hacerlo, no en todas, e incluso a veces que quedaba un resultad algo irreal para mi gusto ya que al poderretocarlo todo, acabamos cayendo en el error de excedernos en dicho retoque.

Un saludo a todos.
Diego López.