Fotografiar La Luna

¡Hola a todos! En esta entrada vamos a hablar sobre cómo fotografiar a la luna. Parece una fotografía sencilla y que simplemente requiere poseer un objetivo de una distancia focal alta, pero no nos sirve únicamente con eso, necesitamos, como siempre, ajustar los parámetros de nuestra cámara para obtener los mejores resultados en la toma. ¿Cómo lo hacemos? A continuación tenéis la explicación.

Antes de nada, debemos saber a qué estamos fotografiando. La luna no se trata de un motivo estático ni mucho menos, La luna se encuentra a miles de kilómetros de distancia de nosotros, concretamente a 384.400 km, y gira alrededor de la Tierra a una velocidad aproximada de 3.700 Km/h. Por lo que teniendo en cuenta la distancia y la velocidad que caracteriza a la luna además de la falta de luz por motivo de la noche, esta técnica de fotografía puede resultar bastante complicada.

Lo principal que necesitamos antes de nada es SUJECCIÓN Y ESTABILIDAD, por lo que además de la configuración de la cámara debemos disponer de:

- Cámara en modo manual (M)
- Objetivo de distancia focal alta (a partir de 300mm)

- Trípode, cuanto más pesado y robusto mejor

- Disparador a distancia

Una vez que conocemos lo que necesitamos para realizar la fotografía, empezamos a explicar cómo lograr una buena toma paso a paso:

1. Lo primero, una vez que sabemos la fase en la que la luna se encuentra y tenemos preparada nuestra salida, debemos encontrar una ZONA OSCURA en la que nos acomodaremos para realizar la fotografía. Tenemos que buscar la máxima oscuridad posible, por lo que cuanto más alejados estemos de la ciudad, mejor.

2. Montamos nuestro equipo. Buscando una ZONA ESTABLE para colocar el trípode con la cámara montada teniendo preparado el Disparador a distancia o disparo en modo retardo si no tenemos disparador.

3. Fundamental, configurar la cámara en modo MEDICIÓN PUNTUAL, ya que si dejamos el modo de medición evaluativo, la cámara tendrá en cuenta también la oscuridad del fondo para intentar que salga bien expuesto también.

4. Preparamos nuestra cámara en la máxima distancia focal posible y situamos el diafragma del objetivo a una APERTURA MEDIA, en el llamado "Punto Dulce", aproximadamente un f/9 dependiendo de la apertura máxima y mínima de cada objetivo. Con esto conseguimos mayor profundidad de campo además de una mayor nitidez en la imagen siendo esta la apertura que mayor nitidez garantiza en cada toma. No debemos cerrar el diafragma demasiado ya que estaríamos corriendo el riesgo de que entrara muy poca luz en el objetivo.

5. Para alcanzar una mayor estabilidad y eliminar el menor movimiento de la cámara, podemos bloquear el espejo del obturador. Si no sabéis como hacerlo, podéis activar el "Live View" (pantalla de la cámara en lugar del visor)

6. Sensibilidad ISO al Mínimo. Vamos a obtener una foto en la que encontraremos un fondo de oscuridad total y homogénea, por lo que podemos encontrarnos con la presencia de ruido, para corregir esto, bajamos la ISO.

7. Velocidad del Obturador: Ni muy rápida ni muy lenta, es decir, según en cada situación, con los anteriores parámetros ya establecidos, debemos ir probando diferentes velocidades de disparo, buscando poco a poco la mejor exposición de la luz posible. Aproximadamente podemos empezar a una velocidad de 1/200 seg. subiéndola o bajándola ya según nuestro criterio.

8. Revisad bien y dedicadle tiempo al post-procesado. En primer lugar, tras cada foto, visualizadla, y ampliad el zoom para comprobar que realmente ha quedado nítida, ya que la pantalla de la cámara al ser tan pequeña, nos puede engañar y llevarnos un chasco al pasar la foto al ordenador. Una vez que la tienes ya en el ordenador, tómate tu tiempo para editarla.

Si habeis seguido todos los pasos, os debe haber quedado una fotografía similar a esta:

Aquí la tenemos, una luna sin que salga demasiado expuesta, ni movida. Esta fotografía concretamente es un recorte de una que hice con un 300mm. si disponéis de una focal mayor, los resultados serán aun mejores.

Además es interesante poner a prueba la creatividad intentando utilizar la luna como complemento a alguna foto de paisaje nocturno. Ya sabéis cómo se hace, ahora a probar!

¿Light Painting? ¿Efecto seda? Fotografías de EXPOSICIÓN LENTA

Hola a todos. La semana pasada salí a la calle probando y aprendiendo nuevas técnicas de fotografía, y por eso en esta entrada vamos a hablar sobre el "Light Painting", es decir, pintar con la luz en nuestras fotos. ¿Cómo? gracias a la exposición lenta.

El secreto está en dejar abierto el obturador, y con algún punto de luz realizar el dibujo que deseemos en el aire mientras dicho obturador sigue abierto. Por supuesto es ESENCIAL un trípode que sujete y le aporte firmeza e inmovilidad a la cámara para que la foto no salga movida. Se debe buscar, normalmente, una zona oscura para intensificar el efecto de los dibujos de luz, aunque más adelante en esta entrada se explicará más a fondo cómo tenemos que configurar la cámara para conseguir una buena toma. 

La configuración de la cámara es muy importante ya que no sólo se puede utilizar esta técnica en oscuridad total, y claro, si en la foto aparecen otras zonas iluminadas además del dibujo de luces, podemos correr el riesgo de que la foto salga "quemada" si no configuramos bien los parámetros.

Para ello, salí a la calle y me puse manos a la obra buscando, probando y realizando fotografías, tales como estas:

En estas fotografías es fundamental configurar bien la cámara para obtener una buena toma, para ello es fundamental disparar en modo manual (M) o en su lugar, en modo Prioridad de Apertura (Av). Se debe tener en cuenta que para disparar lento se deben realizar una serie de ajustes previos como:

- BAJAR EL ISO (Que además nos aportará menos ruido) 

- CERRAR EL DIAFRAGMA (Cuanto más cerrado esté entrará menos luz al sensor, por lo que más     despacio podremos disparar) 

- Dejar la COMPENSACIÓN DE LA EXPOSICIÓN a 0.

- TRÍPODE FUNDAMENTAL

- Usar DISPARADOR A DISTANCIA

En resumen, el Light Painting se trata de una técnica fotográfica con la que, practicando y sacándole partido, podemos conseguir tomas realmente originales y atractivas.

Además, la exposición lenta no nos sirve sólo para hacer Light Painting, podemos utilizarlo en nuestras fotografías para aportarle algún efecto, como por ejemplo en la siguientes fotos:

En estas dos fotografías por ejemplo, podemos ver cómo al hacer una exposición lenta, adquirimos el "efecto seda" del agua embelleciendo la toma.

Espero que esta entrada os sirva de motivación para probar nuevas técnicas de fotografía y adquirir nuevas tomas más originales a vuestro repertorio.

Dar color a una imagen en blanco y negro

En esta entrada vamos a aprender a darle color a cualquier imagen que tengamos en blanco y negro, sepia, etc. Yo uso esta herramienta principalmente para eso, pero se puede utilizar para otras cosas como por ejemplo cambiar el color a algún objeto que aparezca en una imagen concreta. 

Realmente lo que conseguimos es eso, cambiar el color, no devolver el color original. A una fotografía antigua  que tengamos en blanco y negro por ejemplo y queramos dejarla a color, no podemos pretender que el color del vestido de la posible protagonista sea el color original, sino que le aplicaremos el color que nosotros creamos más conveniente. 

A continuación explico cómo se hace con una foto que he convertido previamente a blanco y negro:

Lo primero que tenemos que hacer es abrir la imagen con la que vamos a trabajar con el programa Adobe Photoshop CS, en mi caso el CS6. Ya con la foto abierta comenzamos a trabajar.

Vamos a trabajar a base de capas, concretamente con Capas de ajuste para el tono y la saturación (Capa -> Nueva capa de ajuste -> Tono/saturación) Nos aparecerá una ventana para que le asignemos el nombre que queramos a esa capa y al pulsar en Aceptar nos aparecerá a la derecha el menú con el que vamos a trabajar:

Debemos tener en cuenta que el TIC de Colorear esté marcado (y no como en el caso de este pantallazo). Al estarlo veremos cómo automáticamente cambia todo y nos va a permitir trabajar cómodamente.


Antes de continuar debemos saber que para cada color que aplicaremos, debemos añadir una capa de ajuste nueva. Cada capa es para un color. En este caso vamos a empezar con el cielo, por lo que buscaremos un tono azulado

Cuando hemos seleccionado el color que queremos para el cielo, lo que hacemos es recortar esta capa de tal manera que sólo actúe sobre esta zona. ¿Cómo lo hacemos? De la siguiente manera:
Lo primero que hacemos es pinchar en Imagen -> Ajustes -> Invertir de esta forma todo se volverá a poner en blanco y negro, pero ya con el tono de azul preparado para ser aplicado, que lo aplicaremos con la herramienta "Pincel" teniendo en cuenta que la selección de colores de este (Zona de abajo a la izq. de la pantalla) sea Blanco sobre negro. y comenzamos a pasar el pincel por la zona que queremos dejar azul.

(Además si pinchamos el el menú de Capas de la zona derecha de la pantalla, nos aparecerán todas las capas de ajuste que vamos colocando, y si pinchamos dos veces sobre el icono de Tono y saturación de la misma, nos vuelve a aparecer el menú de selección de color para retocarlo si una vez que la hemos aplicado con el pincel vemos que el color no es el mejor.)

Continuamos pintando poco a poco el cielo (aumentando el zoom y con pincel pequeño en las zonas complicadas para que quede mejor y más realista). Una vez hecho repetimos el proceso anteriormente explicado creando una nueva capa de ajuste con un color diferente. Yo esta vez voy a utilizar el tono rojo para la camisa:

Esto lo repetiremos una y otra vez, añadiendo capas y capas hasta que le devolvamos el color en su totalidad a la foto y estemos contentos con el resultado.

Poco a poco va quedando cada vez mejor (En este caso lo he hecho corriendo y sin tener cuidado con el mero fin de subir las imágenes para explicar cómo se hace, pero si os tomáis vuestro tiempo, obtendréis grandes resultados.

Una anotación más antes de concluir es para recordar que cuando la foto esté terminada, antes de guardarla, para poder hacerlo en formato JPG, se depe pinchar sobre la capa Fondo con el boton derecho del ratón (en el panel Capas de la zona derecha de la pantalla) y pinchamos sobre "Acoplar imagen" para que todas las capas se unan en una sola.

Espero que esta entrada os resulte útil y que os ayude a mejorar con Photoshop

Un saludo
Diego López

Rellenar un espacio añadido a una foto

       Muchas veces cuando hacemos una foto, nos damos cuenta a la hora de trabajar con ella en Photoshop que la imagen quedaría mejor si el motivo principal no estuviera tan cercano al borde de la imagen, es decir, que existiera mayor espacio alrededor del motivo.

       Para explicar mejor lo que quiero decir, os voy a explicar el proceso con una serie de capturas de pantalla en las que podréis ver lo que os comento y el resultado:

       Aquí podemos ver que la oreja del zorro está muy cercana al borde de la imagen, y llegamos a la conclusión de que el encuadre quedaría mejor si ampliamos este espacio separando el motivo inicial del borde de la imagen. Dicho esto, empezamos a trabajar.

       Lo primero que hacemos es utilizar la herramienta "Recortar" y ampliamos la imagen al tamaño deseado. Siempre teniendo en cuenta que la selección de colores que podemos encontrar abajo y a la izquierda de la pantalla esté establecida como negro sobre blanco. (Realmente no siempre es la mejor opción el negro sobre el blanco, lo importante es que el color secundario resalte sobre el color del borde de la imagen, y en muchísimas ocasiones el blanco es la mejor opción) Yo en el caso de la foto del zorro la he recortado de esta manera:

       Con la foto ya encuadrada a nuestro gusto pasamos a la siguiente fase: seleccionamos con la herramienta "Selección rápida seleccionamos la parte blanca que acabamos de añadir y a continuación, tal y como podemos ver en la siguiente imagen, accedemos a Selección -> Modificar -> Expandir y en la ventana que aparecerá seleccionamos una expansión de unos cuatro píxeles. (si aumentamos el zoom en la imagen una vez hecho esto nos daremos cuenta que la selección que hemos hecho abarca un poco más de la zona blanca, teniendo así información suficiente a la hora de rellenar nuestro recorte.)

        Una vez hecho esto, nos dirigimos a el marcador Edición ->Rellenar, y aparecerá la siguiente ventana:

       Aquí lo que tenemos que tener en cuenta antes de pulsar sobre Aceptar es que el relleno que se va a realizar sea "Según el contenido" y la fusión sea de modo normal y a un 100% de opacidad.

Y aquí tenemos la foto terminada.

        Realmente no es un proceso muy difícil, alguna vez puede ocurrir que al rellenar se copie en el espacio nuevo un trozo de la oreja del zorro por ejemplo. Si ocurre eso, simplemente utilizamos la herramienta "Clonar" (La novena en mi barra lateral de herramientas y sobre la que subiré un artículo) y poco a poco vamos eliminando de manera manual ese error.

Espero que esta entrada os sirva de utilidad y que os ayude a mejorar cada vez un poquito más en vuestro uso de Photoshop

Un saludo a todos

Diego López.

¿Dónde ver mis fotos?

         Algunas de las fotos que realizo normalmente las podeis ver en mi perfil que encontrareis en la dirección www.panoramio.com

          En esta pagina web podéis encontrar además de mis fotos, muchísimas fotos de todas las partes del mundo, por lo que podrán aportaros muchas ideas para vuestras fotos o para planear salidas y excursiones por ejemplo.

           Muchos fotógrafos, veo que suben sus capturas a otras páginas como por ejemplo 500px.com, dicen que si una es mejor, que si la otra es mas completa, etc. A mí eso personalmente me da igual, yo lo subo aquí porque me resulta más cómodo y útil aquí, por el tema de "mapear las fotos" y tenerlas localizadas y disponibles desde cualquier aparato con conexión a internet.

         Yo no busco una página para promocionar nada, símplemente quiero un espacio en la red donde tener guardadas las fotos que me gusten más de las que he hecho, y este espacio es el que más se adapta a lo que necesito.

Diego_lopalb Panoramio
Un saludo a todos.

¿RAW ó JPG?

        Muchísimas veces, en miles de páginas de Internet, encontramos foros y artículos sobre este tema. Mucha gente discute, e incluso se enfada con otras al discutir sobre esto, e incluso a veces parece que "eres de RAW" o "eres de JPG" como si fueras del Real Madrid o del F.C. Barcelona. Este tema la verdad es que me da la sensación que se le está dando una importancia que, desde mi punto de vista sobra.

        En la entrada de hoy, voy a hablar sobre esto, sobre mi opinión acerca de este tema y sobre lo que yo hago personalmente.

       En primer lugar vamos a analizar qué significa cada cosa. En los ajustes de los parámetros de la cámara, podemos ver que el título que se le aporta a este apartado es "Calidad" de cada toma. Con el termino Calidad, la cámara no se refiere a la belleza del color, a las iluminaciones, al contraste, etc. A lo que realmente se refiere es a la CANTIDAD DE INFORMACIÓN que puede abarcar cada archivo, cada fotografía. Encontramos cuatro: S, M, L, y RAW. 

Los tres primeros (S, M, L) al realizar la fotografía, la cámara guarda la información en un archivo .JPG, en cambio, el modo RAW, no guarda las fotografías en un archivo que se llame ".raw" ya que esto no existe.

    El término RAW hace referencia a una foto sin procesar, podríamos traducirlo como "crudo" y dependiendo de la marca de la cámara, se guardará en un formato determinado, en el caso de la mía, se guarda en formato ".CR2" En este formato no se configura absolutamente nada, mientra que en los tres restantes se configuran una serie de parámetros que previamente nosotros hemos establecido a nuestro gusto en los ajustes de nuestra cámara. Pero la autentica diferencia entre el modo RAW y los tres restantes es la cantidad de información que "cabe" dentro de cada archivo. En el caso del modo L (el mayor de los jpg), caben aproximadamente, y dependiendo de la cámara, unos 10-12 MB, en cambio, en el modo RAW pueden caber perfectamente 30-40 MB o más. Esto es así porque se guarda la información de toda configuración posible. Los tres modos restantes, al procesar la foto sólo se quedan por ejemplo con un tipo de contraste o con un tipo de saturación (insisto, el que nosotros hemos establecido previamente) borrando todo lo no seleccionado o no necesario, el modo RAW, al dar cabida a cualquier configuración posterior en el procesado manual, ocupa mucho más al almacenar muchísima más información, con la idea de que este archivo no sea la foto, sino que sea algo más bien como el negativo, el cual trabajaremos en un programa como Lightroom y que una vez que haya quedado la fotografía como nos guste, la exportamos a otro archivo (.JPG .PNG .TIFF...) y borrando, o almacenando si quisieramos, el archivo RAW.

        Con este archivo después, a la hora del post-procesado, tenemos muchísimas más posibilidades de edición, ya que al tener toda la información del contraste por ejemplo, tenemos un campo mucho más amplio para editar la foto en este aspecto, de la misma manera con cualquier otro parámetro a editar. En una fotografía en JPG el campo es algo más corto, dificultando la radicalidad del cambio de la saturación por ejemplo (en un JPG al saturar al máximo, los colores saldrían fluorescentes ya que se ha acotado previamente la gama de color de la imagen, en un RAW esto no pasaría porque tendríamos toda la "paleta" de colores a nuestra disposición.

         Pero ahora viene lo IMPORTANTE, ¿Qué es mejor? Yo no creo que el RAW sea mejor que el JPG, ni viceversa. Creo que cada formato está pensado para algo, y con una finalidad diferente, y que depende de nuestros gustos.

En mi caso personal, yo utilizo tanto el modo L como el modo RAW. Dependiendo del tipo de fotografía que vaya a hacer, me decanto por un formato u otro. Suelo utilizar el formato RAW cuando voy a hacer alguna fotografía de paisajes, o algún retrato por ejemplo, ya que estos motivos los suelo postprocesar más a fondo con Lightroom y darles un toque más personalizado. En otros casos, suelo utilizar el modo L, creando directamente un formato JPG ya que no necesitaré un procesado especialmente fuerte, como por ejemplo, fotografías de animales con teleobjetivo.

       En el ejemplo de esta imagen que vemos arriba, podemos ver una fotografía que he realizado guardándola directamente en JPG. Lo he hecho así símplemente por el motivo que comentaba, quiero que el resultado de esta fotografía sea natural, lo más parecido posible a como es el leopardo en la realidad. Busco los colores más certeros y la máxima nitidez posible dentro de lo que mi equipo puede aportarme. Por eso no necesito un post-procesado demasiado exhaustivo, por lo que una fotografía así de este tipo la guardo directamente en formato JPG y no tengo ningún problema con los pocos retoques que le haga con el programa Photoshop.

 

        En el caso de esta imagen, esta vez sí que configuré la cámara para que al disparar, guardara la imagen en formato RAW. Esta fotografía la tomé a las diez y media de la noche aproximadamente, por lo que si quería que toda la imagen saliera detallada iba a necesitar muchísima más información que en la toma anterior. Si la hubiera procesado directamente con el modo L (jpg) la hierba de los laterales por ejemplo, hubiera salido totalmente negra ya que el contraste y la luminosidad se habría aplicado por partes iguales toda la imagen, y para que las luces del fondo no salieran sobreexpuestas, se subexpondrían loas zonas oscuras de la hierba. Para evitar esto, disparo en RAW para tener información del color, tamto de la hierba como del resto de la imagen, de todas las configuraciones posibles (Sobreexpuesta, subexpuesta,saturada, etc.)

 

        Básicamente, para mí, la diferencia es esa, la cantidad de información que cabe en cada toma, en cada archivo. No me considero mejor fotógrafo por disparar o no en RAW, lo importante desde mi punto de vista es saber captar bien la imagen, saber componerla de forma que quedelo mejor posible, la diferencia entre RAW y JPG, símplemente sirve a la hora delpostprocesado, dependiendo de lo quequeramos con cada una.

        Me parece una tontería debatir sobre dispararen RAW o en JPG, símplemente son dos configuraciones de la cámara, ¿por qué debatimos sobre eso y no sobre sobreexponer o subexponer por ejemplo? Lo importante realmente es el resultado de la foto, sin más.

Sobre todo teniendo en cuenta lo que la fotografía supone para mí, un hobby, si me tuviera que dedicarprofesionalmente a esto puede que siempre disparara en raw ya que mis ingresos dependerían de la calidad de mi fotografía y por "curarme en salud" probablemente lo haría así, pero realmente, a día de hoy, creo que realmente no hace falta disparar siempre en RAW, sino que lo utilicemos cuando creamos que tendremos que retocar bastante una foto, como por ejemplo un retrato oun paisaje.

       Espero de verdad que esta reflexión os pueda haber resultado interesante, cuando yo empecé, hace unos tres años, leia mucho sobre este tema, y leyendo lo que comentabala gente sobre el RAW, me obsesioné en disparar siempre así, y algunas veces llegaba a frustrarme al quedarme muchas veces sin espacio en la tarjeta y al tener que dedicarle demasiado tiempo al post-procesado, que me encanta, pero en las que yo quiero y veo necesario hacerlo, no en todas, e incluso a veces que quedaba un resultad algo irreal para mi gusto ya que al poderretocarlo todo, acabamos cayendo en el error de excedernos en dicho retoque.

Un saludo a todos.
Diego López.

Photoshop CS6 - Dejar la piel perfecta

     Normalmente no hago fotografía de tipo de retratos, lo que más acostumbro hacer es un tipo de fotografía más bien relacionada con la naturaleza, pero aunque la naturaleza sea lo que más dedica mi tiempo a la fotografía, me gusta realmente usar la cámara con cualquier motivo.

      En esta ocasión, con esta entrada enseño un truco para mejorar el aspecto de la piel de un retrato, digamos "aplicarle un maquillaje" y eliminar los diferentes defectos e impurezas que pueda presentar. ¿Cómo lo haremos?, a través de un filtro que encontramos en el programa de Photoshop CS6, concretamente el filtro polvo y rascaduras. A continuación explico cómo vamos a conseguir este efecto. Para ello utilizaré una foto cualquiera de un retrato de un personaje que he encontrado por Internet, en la que podemos ver una piel con muchas marcas que vienen muy bien para explicar la técnica:

      Lo PRIMERO que tenemos que hacer es duplicar la capa de la imagen (Capa > Duplicar capa) y seguidamente, sobre la capa duplicada, aplicamos el filtro de polvo y rascaduras (Filtro > Ruido > Polvo y rascaduras) Cuando seleccionamos el filtro, entramos en el menú que se muestra a continuación, en el que podemos ajustar dos parámetros. El parámetro Umbral, lo dejamos en el nivel cinco, y el parámetro Radio lo situaremos, en este caso, en el nivel tres. Dependiendo de la foto, aplicaremos un nivel mayor o menor en este parámetro, teniendo en cuenta que a mayor nivel, mayor será el efecto de matificación de la piel. Personalmente utilizo un nivel de uno a tres, cuatro como máximo.

      Una vez que hemos aplicado el filtro tal y como lo queremos, en la capa duplicada colocamos una Máscara de capa y a continuación viene la parte importante.

       El filtro se aplica a toda la fotografía en general, por lo que a continuación, lo que debemos hacer es, con la máscara de capa que hemos colocado, eliminar el efecto del filtro de las zonas de la imagen donde no lo queremos aplicar, es decir, de toda parte de la imagen que no sea la piel. Lo eliminamos con la herramienta pincel, siempre teniendo en cuenta que los colores sean NEGRO sobre BLANCO.  

       Una vez hemos colocado los colores de esta forma, pincelamos sobre toda zona que no sea la piel, como los ojos, boca, ropa, fondo, pelo, etc. Tardamos lo que tengamos que tardar, con mucho cuidado y poco a poco, ya que dejarnos una parte sin eliminar, o eliminar más de la cuenta "tocando" parte de la piel, estropearía totalmente la foto. 

        Una vez que hemos terminado y que estamos contentos de cómo ha quedado la fotografía, hacemos click con el botón derecho en el menú de Capas sobre la capa original y seleccionamos Acoplar imagen (Las capas se unen todas en una como en el comienzo y ya podemos guardar la imagen sin ningún problema en .jpg, si no hiciéramos esto, sólo podríamos guardarlo en .psd (archivo photoshop)

       A continuación enseño cómo queda la fotografía que enseñé como ejemplo.

         Lo más importante es que el efecto no quede demasiado irreal, que sea efectivo pero no sumamente llamativo. De ahí la importancia de utilizar un nivel muy bajo en el radio a la hora de establecer el filtro Polvo y rascaduras. Y esto es todo, espero que esta herramienta os sirva de utilidad y que os haya resultado sencillo e interesante.

Un saludo a todos.

Diego López